association
des Chercheurs
en Danse

Sarah Andrieu est anthropologue, maitre de conférences au département des Arts-section danse de l’Université Nice Sophia Antipolis. Elle est membre du « Centre Transdisciplinaire d’Épistémologie de la Littérature et des Arts vivants » (CTEL) et membre associée à l’ « Institut des mondes africains » (IMAF). Ses recherches, menées en Afrique de l’Ouest et plus particulièrement au Burkina Faso, portent d’une part sur les usages politiques des danses traditionnelles par l’état postcolonial et d’autre part sur les dynamiques de circulation d’esthétiques, de savoirs, d’imaginaires dans le champ de la « danse africaine contemporaine ». Elle a participé à différents programmes de recherches collectifs dont les programmes ANR «Système de savoirs et d’apprentissage en Afrique » (SYSAV-2007-2011, coord. Bruno Martinelli et Pascal Maïzi) et « Création musicale, circulation et marché d’identités en contexte global » (GLOBAMUS-2008-2012, coord. Emmanuelle Olivier). Elle est également membre du projet inter-laboratoire de la Maison méditerranéenne des sciences de l’homme « Récit de soi. Méditerranée-Afrique. Individus, communautés, interculturalités, XVIe-XXIe siècle » (coord. Isabelle Luciani). Elle a notamment publié « Les valeurs de la création chorégraphique au Burkina Faso » (Volume ! La revue des musiques populaires, vol. 10-1, 2014, p.89-112) ; « Artistes en mouvement. Style de vie de chorégraphes burkinabè » (Cahiers d’Ethnomusicologie, vol. 25, 2012, p.55-74.) ; « “Quand danser, c’est parler de soi pour évoquer toutes les autres”. Récits chorégraphiques de soi féminins au Burkina Faso » in I.Luciani (dir.), Récit de soi, présence au monde. Jugement et engagement. Europe Afrique XVIe-XXIe siècles, Aix-en-Provence, PUP, 2014 ; « Entre connaissances chorégraphiques et reconnaissance professionnelle. Les danseurs burkinabè en quête de savoirs reconnus à l’échelle locale et internationale », in P. Maîzi (éd.), Savoirs et mondialisation en Afrique, Paris, Karthala, 2014. Elle est membre du comité scientifique éditorial de la revue Recherches en danse.

Soraya Baccouche est danseuse, chorégraphe, professeure de danse et doctorante en sociologie à l’université de Strasbourg. Son sujet de recherche porte sur le monde professionnel des danses ANASOH (d'Afrique du Nord à l'Asie du Sud-Ouest et Hybridations ), communément appelées "danse(s) orientale(s)", en France. Elle s’intéresse aux discours et actions mises en œuvre par les artistes dans une perspective de légitimation et de reconnaissance de leurs pratiques, aussi bien dans le domaine chorégraphique que dans la transmission. Elle mène également des recherches anthropologiques sur les danses populaires en Tunisie et leurs évolutions contemporaines.

Romain* Bigé enseigne, traduit, écrit et improvise avec des danses contemporaines expérimentales et des philosophies queer& trans*féministes. Iel vit nomadiquement entre Paris, le Périgord, Aix-en-Provence et quelques destinations empruntables par train. Ancienne étudiante de l’École Normale supérieure, agrégée et docteure en philosophie, mais aussi commissaire d’exposition et danseuse, iel développe des installations et des écritures visant à renommer les savoir-sentir et les savoir-penser venus de la performance et des danses improvisées. Iel a notamment publié *Gestes du Contact Improvisation* (Musée de la danse, 2018) et dirigé la monographie *Steve Paxton: Drafting Interior Techniques* (Culturgest, 2019). Iel est actuellement professeure d'épistémologie à l’École supérieure d’art d’Aix-en-Provence.

Raphaël Blanchier est maître de conférences en anthropologie de la danse à l'université Clermont Auvergne, rattaché au Laboratoire ACTé (EA 4281). Il est responsable du master CCS parcours « La danse comme objet anthropologique » et associé aux responsabilités du master international Erasmus Mundus Joint Master Degree « Choreomundus: Dance Knowledge, Practice & Heritage ». Il s'attache à développer une pédagogie de l'anthropologie de la danse qui associe expérimentations pratiques et recherche conceptuelle. Dans sa thèse, intitulée « Les danses mongoles en héritage : performance et transmission du bii biêlgee et de la danse mongole scénique en Mongolie contemporaine » (sous la direction de M. Houseman, EPHE, 2018), il explore la question de la construction des identités collectives à travers les danses mongoles. Ses recherches actuelles portent sur l’impact des processus de globalisation sur la création contemporaine dans les danses mongoles et sur la circulation numérique des savoirs dansés en Mongolie. Il s’engage aussi dans une activité de promotion des relations culturelles franco-mongoles, par exemple en organisant des spectacles franco-mongols (en collaboration avec l’association Focus Trap notamment) associant différents médias (danse, théâtre, musique, texte).

D’abord formée à la technique Mattox, Carole Bordes travaille très tôt en tant qu’interprète pour Serge Keuten, Géraldine Armstrong, Karine Saporta. Danseuse virtuose de par sa formation, Carole a toujours eu besoin de trouver du sens, d’interpréter avec un engagement total du corps et de l’esprit. Elle s’épanouit dans le travail de Laura Scozzi avec qui elle foule les scènes d’opéras de France et d’Europe. En parallèle de son travail d’interprète, elle monte sa compagnie en 2008, conçue comme un lieu idéal d’association d’humains, d’idées, de création. En 2016, Carole Bordes participe à Prototype 3 de Royaumont dirigé par Hervé Robbe sur le sujet de la Citation comme paradigme à la construction chorégraphique. Riche de ce parcours, elle façonne son propre langage : une gestuelle chargée et sensible qui met en avant l’état de corps pour donner à ressentir autant la puissance que la poésie. Depuis 2017, elle travaille avec le regard extérieur de Jean Gaudin, les créations R pour Résistance et L’élan Naïf. Pour chaque pièce, elle effectue un travail de recherche, qui nourrit une danse-matière guidée par le propos et capable de le transcender. En 2020, elle mène une recherche intitulée Méthode Mattox : élaboration, transmission compréhensions, soutenu par le dispositif de l'aide à la recherche et au patrimoine en danse du CND. Ce projet sera présenté au CND le 2 février 2021 et donnera naissance à un web documentaire Mattox Immersion, ainsi qu'à une création Matt et Moi en septembre 21 à micadanses.

Je suis danseuse et chorégraphe à l’origine de la Cie Passaros et régulièrement artiste asso. Je défend un art chorégraphique ouvert à l’instant présent et aux rencontres. La question de la transmission de la danse à tous traverse ma démarche. Je suis praticienne de Body-Mind Centering® et spécialiste du développement moteur de l’enfant. Le cheminement avec danse-contact improvisation (Nancy Sartk-Smith, Patricia Kuypers, Isabelle Uski, Urs Stauffer…), la danse inclusive (Adam Benjamin), la danse buto (Masaki Iwana, Bietrix Shenck…), les musiciens et poètes improvisateurs (Olivier Toulemonde, Xavier Saïki, Xavier Charles, Michel Doneda, Emmanuelle Pellegrini…), les danseurs Soto G. Hoffman, Christine Burgos, Olivier Gelpe, Odyle Perrin…) a fortement nourri mon chemin. Les liens entre le corps et le son sont également au centre de ma recherche.

Diplômé des écoles des beaux-arts de Saint-Etienne et de Lyon, et du Fresnoy, le SNAC de Tourcoing, Mathieu Bouvier est artiste visuel, réalisateur, photographe, et doctorant contractuel en art à l’université Paris 8 Saint-Denis. Ses recherches en esthétique portent sur une approche figurale du geste dansé. Il fréquente assidûment le champ de la danse contemporaine, en tant que vidéaste, scénographe et dramaturge. En 2016-2017, en collaboration avec le chorégraphe Loïc Touzé, il dirige à la Manufacture - HETSR de Lausanne /HE.So - un programme de recherche sur le travail de la figure en danse.

Professeur de langue et littérature à l'université de Poitiers (laboratoire 3816 FoReLLIS). Activités de recherche sur: 1. la littérature grecque ancienne (en particulier poésie archaïque et fiction narrative), questions de corps, genre, sensorialité, dialogue des arts, de danse (perspectives littéraire, esthétique, philosophique, anthropologique) dans l'Antiquité; 2. les réceptions de la littérature et des arts de l'Antiquité (surtout la danse) dans la poésie, les arts visuels et la danse moderne et contemporaine, lien esthétique et poétique, dialectique espaces / identités. Travaux, entre autres: une dizaine d'ouvrages dont (dir.), Corps (in)croyables. Pratiques amateur en danse contemporaine, CnD, 2017; et (trad. et comm.) Pindare. Olympiques, Les Belles Lettres, 2014. Derniers articles sur la danse (2019): « L’Antiquité transculturelle : noms de (la) danse dans le Περὶ ὀρχήσεως de Lucien de Samosate (IIe s.)", in A. B. Fabbricatore (dir.), La danse théâtrale en Europe: identités, altérités, frontières, Hermann, 2019, p. 11-32; « Choreographic/Political Performances: Bodies, Spaces, Actions (Steven Cohen, Femen, Nuit debout)", in Kristie Mortimer (ed.), Proceedings of the Dance Study Association 2018 Conference (Malta), p. 1-18, en ligne : https://dancestudiesassociation.org/publications/conference-proceedings/2018-annual-conference-proceedings.

Sociologue et professeur agrégé d’EPS à l’université de Toulouse 3, Hélène Brunaux enseigne la danse à partir des techniques contemporaines et des théories qui y sont associées dans les champs sociologiques, historiques, esthétiques depuis 1998. Sa thèse soutenue en 2010 à l’université de Lyon 2 est consacrée aux usages de l’espace et aux espaces des usages en danse contemporaine. Elle s’est intéressée aux interactions sociales, aux expériences et aux engagements des acteurs sur les terrains de la transmission de la danse dans des contextes variés d’intervention : espaces publics, espaces privés, espace « hors les murs ». Son travail de recherche et ses postures de chorégraphe, danseuse et pédagogue l’ont conduite à développer une approche ethnographique multi-située et à affiner l’analyse des activités de cadrage de l'expérience dans les phases d’interprétation et de réception des danseurs/chorégraphes/spectateurs. Cette approche permet l’appréhension fine des types d’écritures motrices en fonction des effets de contextes et des contextes de pratiques. A partir de là, elle a travaillé sur les processus d’individuation et de singularisation des artistes et sur leurs circulations sur les segments artistiques du monde de la danse. Le travail de recherche qui se poursuit aujourd’hui comme membre associé au sein de laboratoire toulousain CresCo (EA 7419), envisage trois axes d’étude : migrations internationales, altérité et circulation des artistes dans le monde de la danse ; les effets des dispositifs artistiques institutionnels sur les constructions des savoirs du geste chez les enseignants ; expériences et interactions en milieu scolaire. Formatrice de formateurs Hélène Brunaux participe régulièrement au jury danse des concours de l’Éducation Nationale (agrégation). Elle est vice-présidente de l’association Passeurs de danse et a participé à l'ouvrage collectif "inventer la leçon de danse", CRDP Clermont-Ferrand, 2013 avec deux articles : "Ressources, compétences et rôles sociaux dans la leçon de danse", "Expertise et mémorisation dans la leçon de danse". Dernières publications : « Dispositifs chorégraphiques dans la ville : les effets de l’imprévisible sur les acteurs de l’urbain », revue Sociologie de l’art-Opus, l'Harmattan, 2018 (à paraitre n° 27) ; « Parcours de reconnaissance et principes de singularité dans le monde de la danse », revue SociologieS [en ligne], Théorie et recherches, 2016, URL : http://sociologies.revues.org/5704 ; « Les paradoxes de la médiation en danse contemporaine : un exemple sur le réseau de "la danse à l'école" », in C. Camart, F. Mairesse, C. Prévost-Thomas et P. Vessely (dir.), Les mondes de la médiation culturelle, volume 2, l'Harmattan, coll. Cahiers de la médiation culturelle, 2015, p. 193-206 ; « Les effets des dispositifs spatiaux sur la médiation artistique en danse contemporaine », in F. Montandon et T. Pérez-Roux (dir.), Les médiations culturelles et artistiques. Quels processus d'intégration et de socialisation ?, L'Harmattan, coll. Logiques sociales, 2014, p. 79-101.

Depuis 1958, Dominique Buttaud se consacre essentiellement à la danse. Apprentissage de la danse classique, puis, après ses études en archéologie et en histoire de l’art et de la musique, apprentissage de la danse contemporaine auprès de ses principaux représentants, élèves de Graham, Limon. Sa formation va finalement la rattacher au courant expressionniste allemand, marqué par l’oeuvre de Rudolph Laban, grâce à un travail intensif avec deux de ses représentants : Marilou Dari à Genève, élève de Magna Kmeilh, elle-même élève de Mary Wigman, et Geneviève Mallarmé à Paris (de 1979 à 1986), élève de Myla Scyrul et l’une des premières à incarner la danse contemporaine en France. De 1969 à 1975, elle développe une activité de Danse à la ZUP de Rillieux, en quelques années plus de 450 enfants feront de la danse à Rillieux. Le manque de moyens et son désir de développer plus sereinement ses recherches, la pousseront à créer sa propre structure. Une de ses élèves poursuivra l’activité danse à Rillieux dans le cadre de la MJC Depuis elle poursuit ses recherches, dans le cadre de son école de danse et de l’Association « Danse Actuelle » qu’elle a crée, à cet effet, et produit ses créations dans le cycle des « Dance in Progress » En 2007, elle intervient au Colloque international de recherche en Danse SDHS, CORD, CND : Repenser pratique et théorie : « le mobile squelette et le corps alien » (D.Buttaud A.Josserand) En juin 2011 elle présente avec A.Josserand une communication : « Le corps passager clandestin de la transmission sauf à ce que la parole ne vienne à le démasquer » au Colloque International de Nice Sophia-Antipolis : la transmission du geste en question. Fin 2011 elle publie, aux éditions « Friches et Bordures », un livre coécrit avec Alain Josserand: « De la danse à la mobilité interne du corps, l’OSDYRE », et elle poursuit, toujours avec Alain Josserand, un séminaire consacré à la théorisation de ses recherches

J'ai étudié danse classique et contemporaine à l'Accademia Nazionale di Danza (Rome), puis à la Scuola di Ballo del Teatro alla Scala (Milan) et enfin au Pôle National Supérieur de Danse de Cannes-Mougins Rosella Hightower (où j'ai obtenu l'EAT en danse classique et contemporaine). Depuis 2017, je suis inscrit à l'Université Côte d'Azur (Nice) et en 2021, j'ai soutenu le mémoire (de master 2) : Les danses dans les écrits des frères mendiants. Pour une étude des représentations des danses de l'Occident latin au XIIIe siècle (sous la direction de Marina Nordera). Avec cette étude, j'ai remporté ex aequo le prix Ilaria Caccia 2022. Je poursuis actuellement mes recherches sur la danse au Moyen Âge, notamment dans la culture religieuse, avec ma thèse de doctorat : Les danses et l'Église du XIIe au XIVe siècle. Etude pour une histoire culturelle et incorporée (dir. Marina Nordera). Je suis également chargé de cours à l'Université de Nice : j'enseigne l'analyse chorégraphique aux étudiants de Licence.

Marion Chénetier-Alev est maître de conférences en études théâtrales au Département d'Histoire et Théorie des Arts de l’École Normale Supérieure d’Ulm, membre de l’UMR 7172 THALIM (CNRS). Ses recherches portent sur la stylistique et la dramaturgie des écritures dramatiques modernes et contemporaines ; sur la théorie et la poétique du travail de l’acteur ; sur l’histoire et les enjeux de la critique en arts du spectacle ; ainsi que sur les liens entre théâtre et radio, et l'histoire sonore du théâtre. Auteur de L’Oralité dans le théâtre contemporain (Éd. Universitaires Européennes, 2010), elle a également publié un livre d’entretiens avec le dramaturge Valère Novarina, L’Organe du langage, c’est la main (Argol, 2013) ; dirigé des collectifs sur la critique dramatique (PUFR, 2013), l’histoire sonore du théâtre (Éditions Ulm, 2017), et le jeu de Maria Casarès (Revue d’Histoire du Théâtre, 2018). Traductrice, elle a également co-publié l’édition scientifique et bilingue du Théâtre des Fous d’E. Gordon Craig (IIM/L’Entretemps, 2012).

Danseuse de formation, en 2017 j'ai obtenu mon doctorat de recherche en danse à l'Université Côte d'Azur et à l'Université de Parme, en Italie. Je travaille sur les modalités de transmission des connaissances et du répertoire en danse contemporaine. Je travaille comme dramaturge de danse . J'écris pour la revue numérique italienne Doppiozero (www.doppiozero.com) et je fais partie du projet Springback Magazine du réseau européen Aerowaves Europe.

Elizabeth Claire est chargée de recherche au CNRS, membre du Centre de recherches historiques (CRH) et membre associé au Centre de recherches sur les Arts et le Langage (CRAL). L’une des fondateurs de l’Atelier d’histoire culturelle de la danse (AHCD), son séminaire de recherche avec l’AHCD sur l’Histoire culturelle de la danse, se complète avec des séminaires sur l’Histoire du genre dans les arts vivants, et sur Les pouvoirs de l’imagination : approches historiques, à l’École des hautes études en sciences sociales. Elle coordonne avec Sylvie Steinberg le Groupe de recherche Histoire du genre au CRH, et codirige avec Michelle Zancarini-Fournel un numéro CLIO. Femmes, genre, histoire sur « Danser » en 2017. Ancienne allocataire postdoctorale de l'Institut Émilie du Châtelet, elle a l'honneur et le plaisir de participer au Comité Directeur de cette institution francilienne depuis 2014. Recherches: J'effectue actuellement une recherche historique concernant « L’éloquence du corps et l’articulation de l’âme : la circulation des savoirs médicaux et genrés sur l’imagination, la sensibilité, et l’art de la danse (18e-19e siècles) ». L’originalité de mes travaux réside dans le croisement des sources médicales sur l’imagination, sur la danse et sur le corps féminin (question de la folie, de la grossesse, et des maladies nerveuses), avec des sources traitant de l’imagination dans la philosophie de l’esthétique appliquée à la danse. Cette étude comparative contextualise la réception des nouvelles pratiques de danse tels le ballet-pantomime pour la scène, ou la valse pour le cas du bal. Elle interroge des aspects genrés de l’avancement d’une pensée républicaine en France, Angleterre et l’Europe, ainsi que l’avènement d’une médecine clinique pour le traitement de l’hystérie dont l’impact sur l’évolution de la psychiatrie occidentale était très important. De nombreuses thématiques sont communes à ces domaines (art, politique, médicine) qui semblaient pourtant isolées : la contagion et l’épidémie ; la dichotomie opposant génie et folie ; la performance du genre ; la ‘sociabilité’ ; l’expressivité ‘sans recours aux mots’ du corps symptomatique, sexué, et d’artiste. Au final, le pouvoir de l’imagination et la question du genre constituent le socle fédérateur à ces thématiques.

Auteure d'une thèse intitulée Danser avec Samuel Beckett ( 2018), Evelyne Clavier s'intéresse aux relations de la danse et de la littérature au 20e et 21e siècle . Elle a publié un article sur le rapport de Samuel Beckett à la danse moderne dans ''Beckett and Modernism'( Palgrave, 2018) et elle se prépare à écrire sur les adaptations chorégraphiques des oeuvres de Samuel Beckett en France pour le même éditeur. Elle a mené une recherche-création avec les chorégraphes et danseuses Marie Cambois et Anne Marion à partir de "Comment dire / What is The Word", le dernier poème de Samuel Beckett, une recherche-action dont elle rend compte dans "Essayer une danse de textes et de gestes"( Actes du colloque de Cerisy ''Gestualités/ textualités en danse contemporaine,'2018). Elle a entrepris également des recherches -actions sur le terrain de l'école dite inclusive avec des élèves en situation de handicap ayant des troubles des fonctions cognitives. Elle s'appuie pour cela sur les travaux de Guillemette Bolens qui portent sur l'intelligence kinésique ( 2008, 2016). " Ateliers dansephilo : faire expérimenter l'altérité pour la mise en oeuvre de l'école inclusive"( Diotime, 2017), "Gestes et textes en Ulis TFC : écrire avec May B de Marin' ( Le Français aujourd'hui, juin 2019) sont deux articles qui analysent ces expérimentations. Elle a communiqué sur cette question de la danse et des pratiques artistiques comme leviers possibles de l'école inclusive dans "Quel rôle pour pratiques artistiques dans la transition inclusive"( CND , mai 2019) et "L'éducation artistique comme levier de l'éducation inclusive ( Congrès de l'AREF, juillet 2019).

Directrice programmes de résidence danse Mains d'Oeuvres Paris 2006-2011 Directrice artistique Dancehouse Melbourne Australie 2011-2020 Guest Curator Festival Dance in Vancouver Canada 2021 Membre réseau Asia Network For Dance 2018- Boursière Fondation Saison Japon 2019 Etudiante Doctorat Université de Melbourne - projet de recherche 2021- STAYING WITH THE PROBLEM – COSMOPOLITICS OF CURATING DANCE

Fondée en 1984 par la danseuse et chorégraphe belge Patricia Kuypers, Contredanse s’est donné pour mission, dès l’origine, de soutenir la création chorégraphique. L’association bruxelloise souhaite offrir des outils et des ressources aux chorégraphes et aux danseurs pour leur permettre de relier leur travail en studio à une analyse de la pensée du mouvement, du corps, de la composition, de l’histoire de leur discipline. Ses activités sont principalement orientées vers l’information, la documentation, l’édition et la formation.

janvier à juin 2013

Doctorante contractuelle à l’École Pratique des Hautes Études depuis octobre 2019, Chloé d’Arcy prépare une thèse d’histoire culturelle et sociale du 19e siècle, intitulée « Bals et spectacles dans les stations thermales et balnéaires. Sociabilités mondaines et artistiques, 1816-1872 », sous la direction de Jean-Claude Yon (SAPRAT). En 2017, Chloé d’Arcy a soutenu un mémoire d’histoire à l’Institut d’Études Politiques de Paris, sous la direction de Jean-François Sirinelli (CHSP) : « Marie Taglioni, Étoile de la danse. Constructions, évolutions et implications du vedettariat de la ballerine (1822-1870) ». Ce master a obtenu une mention spéciale du prix Mnémosyne 2018. Elle a été invitée à présenter ses recherches sur Aligre FM, dans l’émission Éclats d’histoire « Autour de l’histoire des femmes », le 7 mars 2019. En parallèle, Chloé d’Arcy se forme aux RIDC de Paris en vue d'obtenir le Diplôme d'Etat de professeure de danse contemporaine.

Alix de Morant est maîtresse de conférences en esthétiques théâtrales et chorégraphiques à l’université Paul-Valéry Montpellier 3 et membre du RIRRA21 (EA 4209). Elle est à ce titre associée au Master EXERCE adossé à l’université Paul Valéry et à ICI- Centre Chorégraphique National de Montpellier-Occitanie dirigé par Christian Rizzo. Autrice avec Eliane Beaufils de Scènes en partage ( Montpellier, Deuxième Epoque, 2018) et avec Sylvie Clidière d’Extérieur Danse, essai sur la danse dans l’espace public, (Montpellier, L’Entretemps 2009) , elle a participé aux ouvrages collectifs : Danser la rue (Presses universitaires de Rouen, 2019), Art &Ville contemporaine:rythmes et flux (Presses universitaires de Saint Etienne, 2012), Butô(s) (Paris, CNRS, 2002),La scène et les images (Paris, CNRS 2001). Collaboratrice des revues Ligeia, E pur si muove, Ballet/Tanz, Alternatives Théâtrales, Théâtre/Public, ArtPress, elle a contribué à l’aventure éditoriale de Stradda, Scènes Urbaines, Dédale, Cassandre. Elle a aussi travaillé comme programmatrice et conseillère artistique auprès de plusieurs compagnies chorégraphiques et d’institutions culturelles en France et aux Pays-Bas où elle a longtemps résidé. Outre son intérêt pour les démarches chorégraphiques in situ et les expériences participatives en espace public ses recherches portent sur les esthétiques théâtrales et chorégraphiques contemporaines, la performance, sur l’histoire de la danse au 20e et 21e siècles et plus particulièrement sur les ramifications européennes du butô, notamment au sein d'un projet de recherche CND sur la contemporanéité des outils du Body Weather.

Sinibaldo De Rosa est anthropologue et s’intéresse à l’expérimentation et à la pédagogie dans les arts de la performance, aux traditions kinesthésiques et aux études multidisciplinaires et collaboratives des rituels. Il a obtenu un License en Anthropologie Culturelle à l’Université di Bologne, un Master recherche en Asian and Middle Eastern Studies avec une spécialisation sur la Turquie à l’Université de Leiden et un diplôme de premier cycle supérieur en notation Laban au CNSMDP. Avec des programmes d’échange Erasmus il a étudié aussi à l’Université de Marmara et l’Université Technique du Moyen Orient. En 2013 son article intitulé “Samah: Kardeşlik Töreni — A Dynamic Bodily Archive For The Alevi Semah” a reçu le Selma Jeanne Cohen Graduate Student Award pendant la conférence du CORD et SDHS hébergé à l’Université de Californie – Riverside. Grace à une bourse du AHRC SWW DTP permettant une cotutelle entre le département du théâtre à l’Université de Exeter et la section ethnomusicologie à l’Université de Cardiff il écris maintenant une thèse de doctorat sur les adaptations pour la scène du semah des Alevis en Turquie autant que en Europe Occidentale.

Artiste et chercheuse en danse, elle commence sa formation par la ballet classique, puis choisit la danse contemporaine. Elle suit les cours de Karin Waehner à la Schola Cantorum, puis de Françoise et Dominique Dupuy, Jacqueline Robinson, Brigitte Hyon aux RIDC à Paris. Elle danse pour la chorégraphe Colette Portman. Elle s’installe au Brésil en 87 et commence son parcours de danseuse interprète en travaillant notamment avec la chorégraphe nord américaine Holly Cavrell. Elle développe en parallèle sa propre recherche chorégraphique pour laquelle elle reçoit les prix : « Movimentos de Dança » en 96, 95 et 93, « Chorégraphe Révélation » en 93 décerné par l’Association des Critiques d’Art de São Paulo, « Bolsa Vitae de Arte » en 95 décerné par la Fondation Vitae d’Aide à la Création. De retour en France, elle obtient son Diplôme d’Etat de professeur de Danse en 99, suit les Formations Supérieures en Culture Chorégraphique de Laurence Louppe et en Rythmes du Corps de Françoise Dupuy, dont elle est diplômée. Elle possède également un Master 2 de recherche en danse de l’Université Paris VIII. En 2003, elle rejoint la compagnie « Ombre et Parenthèses » de Laurence Saboye à Montpellier, danse de 2004 à 2006 dans la Compagnie Dominique Dupuy pour WMD, travaille depuis 2001 avec la chorégraphe Lidia Martinez. Elle danse pour la chorégraphe Clara Gibson Maxwell depuis 2011, et avec la chorégraphe Hélène Marc depuis 2012. Sa démarche chorégraphique interroge la relation du corps au paysage, en lien avec l’espace, la matière sensible du mouvement et le rythme. Ses derniers projets : Landscape, 3 Jardins et Jardin(s), s’inscrivent dans cette recherche. Très sensible à la relation danse-musique et à la porosité entre les différents langages artistiques, elle collabore régulièrement avec des musiciens, des plasticiens et des comédiens pour ses créations et pour ses interventions pédagogiques. Elle enseigne l’Histoire de la Danse et la technique contemporaine, intervenant dans plusieurs structures auprès de danseurs amateurs et professionnels. Elle assiste régulièrement Françoise Dupuy dans ses interventions pédagogiques, et elle est une des danseuses référentes du réseau CDC Paris pour le projet Planetary Dance de Anna Halprin. Elle fait partie du groupe les dormeuses, qu’elle a fondé en 2012 avec Laurence Saboye et Véronique Albert (www.lesdormeuses.blogspot.fr). CV complet sur le site : www.isabelledufau.com

Philosophe de formation avec une thèse sur l'esthétique du théâtre (obtenue à Naples, Université L'Orientale), titulaire d'un Doctorat de recherche international (Paris-Florence-Bonn), professeur agrégée d’italien et ancien professeur de danse (DE et Certificat d'Aptitude), Arianna Fabbricatore est coordinatrice du GRDDanse (Groupe de Recherche XVIIe-XIX siècles), au sein du projet « Discours sur la danse », Labex Obvil, Université Paris-Sorbonne et porteur d’un projet de recherche appliquée soutenu par le Service Recherche et Répertoires chorégraphiques du CND. Elle est membre de l’ELCI (Equipe littérature et culture italiennes, Paris-Sorbonne), membre associé du CETHEFI (Centre d’études Foires et Comédie-Italienne de l’université de Nantes) et elle fait partie de plusieurs programmes de recherche internationaux, ARPREGO (Espagne), PRITEPS (France), AIRDANZA (Italie). Se recherches portent sur l’histoire culturelle de la danse et du théâtre de l’époque moderne, sur la poétique, l’esthétique et la sémiotique de la danse dans une perspective herméneutique et sociale. Elle s’intéresse aux problématiques liées au dialogue entre les textes et à la traduction (interlinguistique et intersémiotique). Son approche interdisciplinaire a recours aux outils de la littérature, de la sociologie et de la sémiotique. Elle a publié de nombreux articles et édité des textes sur la danse. Son ouvrage La Querelle des Pantomimes. Danse, culture et société dans l'Europe des Lumières (PUR, 2017) analyse la dramaturgie du ballet-pantomime et explore les enjeux esthétiques et sociaux de la polémique milanaise sur le nouveau genre.

Laura Fanouillet travaille comme danseuse interprète et dramaturge avec des chorégraphes contemporains. Elle a mené des recherches en Philosophie, inspirées de l’œuvre de Raymond Ruyer, à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, sous la direction de Renaud Barbaras. Elle est également l’auteur d’un essai philosophique, Le Corps ou le fruit de l’expérience, coécrit avec Guillaume Allardi, publié aux Editions Larousse en 2010. Sa découverte du baile flamenco la mène actuellement à un doctorat en danse, sous la direction de Gretchen Schiller, à l’Université de Grenoble-Alpes. Cette recherche se propose d’étudier les modalités de transmission des sensations et des imaginaires kinesthésiques dans la création chorégraphique contemporaine. Qu’avons-nous à notre disposition comme ressources corporelles, langagières et technologiques, pour témoigner de cette transmission et l’enrichir ? L’hypothèse repose sur la manière dont la structure de la danse se tient au plus près de la métaphore vitale, par une connaissance des sensations qui régissent la vie affective humaine et qui impriment des styles au corps. La méthodologie vise à établir des liens entre le discours qui exprime la sensation, et un langage qui serait proprement corporel. Pourquoi et comment l’effort de nommer les sensations pour les transmettre, participe-t-il d’un processus de création symbolique ? Par le biais de dispositifs d’échanges et d’entretiens, seront développés, d’une part, des outils conceptuels et langagiers pour traduire les sensations kinesthésiques du danseur et en enrichir l’expression, et analysés, d’autre part, les outils numériques (principalement sonores) utilisés pour la mise en mémoire et la transmission des processus chorégraphiques. Ce projet de thèse s’inscrit dans le programme scientifique ECLAIR (Expériences Chorégraphiques, Lieu Artistique inscrit dans la Recherche) de la Maison de la Création, attaché au laboratoire Litt&Arts (UMR 5316). Celui-ci a pour objectif d’interroger les manières dont les processus kinesthésiques et chorégraphiques, qui sous-tendent la création contemporaine, peuvent être transmis, répertoriés et mis en mémoire. Il mobilise la collaboration de chercheurs régionaux (Université de Grenoble-Alpes, Valence, Lyon 2), internationaux (Université de Coventry, Québec, Stanford), mais aussi d’artistes associés aux partenaires culturels de la région Auvergne Rhône-Alpes (Centre Chorégraphique National CCN2, Centre de Développement Chorégraphique Le Pacifique, Maison de la Culture MC2, Centre National de la Danse, Maison de la danse et Biennale de la danse à Lyon, Hexagone de Meylan, École Supérieure d’Art et Design de Valence, ENSATT).

actuellement conseil artistique & enseignante arts du spectacle (danse) Université de Strasbourg / Dramaturge pour différentes Cies. Auteure, a notamment publié et ou collaboré aux ouvrages suivants : Biennale de danse du val-de-marne (1979/2019), ed.Scala 03-19 //Olga Mesa, double vision, ed. Cie Hors Champs 11-16 // Daniel Larrieu, Memento (1982-2012), ed Actes Sud 11-14// réalisation du n° special Bref Chaillot-Jean Vilar (2012)// Bleue, saignante, à point, carbonisée, Rodrigo Garcia, ed. Les solitaires intempestifs, 2009 // Rosaura, Brigitte Seth et Roser Montllo Guberna, éd. L’œil d’or 2009 // Membre du conseil scientifique du Dictionnaire de la Danse (dir. P. Le Moal, éd. Larousse, 1999-rééd. 2008), Catherine Diverrès, Mémoires passantes (coédition L’œil d’or, CND,2010) // Dansez, dansez… (Les Solitaires intempestifs, 2003).

Anthropologue formée à l’université de Paris Ouest Nanterre, Laura Fléty est post-doctorante, affiliée au LESC (CNRS-UMR 7186). Sa thèse, « Les cortèges de la fortune. Dynamiques sociales et corporelles chez les danseurs de morenada (La Paz, Bolivie) », développe une réflexion sur la corporisation des relations sociales et rituelles en analysant les performances chorégraphiques d’une communauté d’artisans et commerçants urbains, issus de la migration indigène, en Bolivie. Après avoir bénéficié d’une bourse de recherche au Musée du Quai Branly et enseigné au Département d’ethnomusicologie de Paris 8 (ATER), Laura Fléty est actuellement boursière de la fondation FYSSEN au Museu Nacional de Rio de Janeiro (Brésil) où elle a engagé de nouvelles recherches sur les langages sensibles et l’anthropologie de la danse.

Enseigne la littérature française à l'Université de Vérone (XXe-XXIe siècles). Projets en cours Traces du chorégraphique chez S. Beckett/Beckett en danse (corpus pièces chorégraphiques inspirées de son œuvre); Pensée de la danse et collaborations chorégraphiques de Pascal Quignard. - Pas de mots. De la littérature à la danse, sous la direction de Laura Colombo et Stefano Genetti, Paris, Hermann, 2010 (Entrées et trajectoires: épaulements, écarts et combinaisons, pp. 11-17; Écrire, danser, d’après la voix perdue: Pascal Quignard, Angelin Preljocaj et “L’Anoure”, pp. 239-257). - Figure e intersezioni: tra danza e letteratura. Con un saggio di J. Lotman inedito in Italia. Quarto quaderno del Dottorato in Letterature Straniere e Scienze della Letteratura, a cura di Laura Colombo e Stefano Genetti, Verona, Fiorini, 2010 (Danza in letteratura, letteratura in danza, pp. VII-XV; Tra Beckett e Maguy Marin, da “May B” a “Cap au pire”, pp. 385-404). - Approche de la danse, tremblements, in Pascal Quignard ou la littérature démembrée par les muses, Mireille Calle-Gruber, Gilles Declercq et Stella Spriet (éds), Paris, Presses Sorbonne Nouvelle, 2011, pp. 127-135. - Filiations chorégraphiques: Winnie selon Béjart et chez les Dupuy, in Filiations & Connexions/Filiations & Connecting Lines, édité par Yann Mével, Dominique Rabaté et Sjef Houppermans, “Samuel Beckett Today/Aujourd’hui”, 23, 2011, pp. 49-62. - Par art interposé. Le discours sur la danse de Gautier à Valéry: un espace littéraire allégorique et réflexif, “Revue d’histoire littéraire de la France”, 112, 2, avril 2012, pp. 431-441. - Le Funambule, in Dictionnaire Jean Genet, sous la direction de Marie-Claude Hubert, Paris, Champion, 2014, pp. 268-273. - Pascal Quignard: les écrits pour la danse; Pascal Quignard, Stefano Genetti, Entretien, in Danse contemporaine et littérature entre fictions et performances écrites, sous la direction de Magali Nachtergael et Lucille Toth, Pantin, Centre national de la danse, 2015, pp. 103-109; pp. 110-117. - Méditer Médée, in Pascal Quignard, translations et métamorphoses, sous la direction de Mireille Calle-Gruber, Jonathan Degenève et Irène Fenoglio, Paris Hermann, 2015, pp. 435-447.

Danseuse et chercheuse, Alice Gervais-Ragu conduit actuellement une thèse au Département danse de l’Université Paris 8, sous la direction d’Isabelle Ginot. Ses recherches portent sur l’étude des milieux et des modes d’existence que s’inventent les danseurs face à une situation de crise économique et sociale. En 2015, elle collabore au séminaire de master « Autour de la table : écologie d’un projet » (Département danse, Université Paris 8). Par ailleurs elle publie différents articles sous formes écrites ou sonores.

Agrégée de philosophie, Paule Gioffredi a soutenu en 2012 à l'université Paris-Ouest-Nanterre une thèse dirigée par Maryvonne Saison et intitulée "Le porte-à-faux: une notion merleau-pontyenne pour penser la danse contemporaine". A la suite d'un colloque international rassemblant chercheurs, artistes et journalistes, qu'elle a co-organisé avec E. Phitoussi, elle a dirigé en 2009 la publication chez l'Harmattan de "A l[a'r]encontre de la danse contemporaine: porosités et résistances". Elle a écrit, dans des ouvrages et revues spécialisées en danse ou en philosophie, des articles sur les oeuvres de C. Rizzo, E. Huynh, M. Gourfink et B. Charmatz. Elle est actuellement maître de conférences au département des Arts de la Scène, de l'Image et de l'Ecran de Lyon 2 et travaille actuellement à l'élaboration d'une phénoménologie de la parole des artistes de danse.

Martin Givors est Attaché Temporaire d’Enseignement et de Recherche en Arts de la scène à l’Université Grenoble Alpes et membre du laboratoire Litt&Arts (UMR5316). Ses recherches portent sur les notions de perception de l’environnement, d’individuation et de rituels à travers l’étude de pratiques issues de la danse, du cirque et du Qi Gong. En 2019, il obtient le grade de docteur avec une thèse intitulée « La compagnie de Fractus V (Eastman / Sidi Larbi Cherkaoui) comme foyer de régénération pour les interprètes » au sein de laquelle il développe une approche anthropologique. Ses recherches le conduisent aujourd’hui à explorer les liens unissant les arts de la scène avec ses activités de thérapeute en Médecine Chinoise et professeur de Qi Gong.

Alice Godfroy est agrégée de Lettres, docteure en Littérature comparée et Maître de conférences en danse à l'université de Nice Sophia-Antipolis. Elle mène de front un double parcours – artistique et universitaire – dans lequel se cherchent les articulations de l’un à l’autre. Pratiquant la danse depuis le plus jeune âge, elle se spécialise peu à peu dans l’improvisation et choisit la danse Contact Improvisation comme champ privilégié d’investigation, de performance et de transmission. Membre de la Cie Dégadézo (Strasbourg) depuis 2011, initiatrice d’un collectif d’improvisateurs, regard extérieur pour différents projets scéniques, elle explore les savoirs des corps dansants et les processus de poétisation de leurs gestes. Ses recherches se développent au croisement de la phénoménologie, de la littérature et de l’esthétique. Ses derniers travaux ont élaboré le concept d’une dansité de l’écriture poétique, en définissant le mouvement des textes à partir de l’expérience du corps dansant : Danse et poésie: le pli du mouvement dans l’écriture. Michaux, Celan, du Bouchet, Noël (Paris, Honoré Champion, 2015) ; Prendre corps et langue. Étude pour une dansité de l'écriture poétique (Paris, Ganse – Arts & Lettres, 2015). Elle est par ailleurs rédactrice en chef de la revue Corps-Objet-Image, dédiée aux arts contemporains de la marionnette.

La danse m’anime, ne cesse de m’émerveiller, de me questionner. J’explore ses mouvements par la création, la recherche, l’écriture et la pratique pédagogique. Des expériences qui se mêlent et entrecroisent. J’interroge les liens privilégiés que la danse entretien avec le vivant, les savoirs des danseurs et des danseuses, la transmission des « germes de danse ». Je cherche comment préserver la vie et le mouvement dans l’écriture. J’ai habité dans différentes villes en Espagne avant d’arriver à Bruxelles, où je suis restée. Je me déplace entre la danse, la recherche et l’écriture. Le partage et la pratique pédagogique donnent du sens à mon travail et l’animent. J’ai dansé dans une grande compagnie flamande que j’ai abandonnée pour faire des études et donner mon énergie à mes propres créations chorégraphiques. Depuis 1993 j’ai signé plusieurs pièces. Après la naissance de ma fille, j’ai repris des études et je me suis engagée dans la recherche. En 2013, j’ai obtenu le titre de docteure en art-danse à l’Université de Nice. Après la publication de ma thèse, Matières vivantes (Rhuthmos, 2017), la pratique de l’écriture s’est intensifiée, devenant de plus en plus liée à la danse, à la création chorégraphique. Les projets hybrides, Danses en dormance (Rhuthmos, 2020) et Danser la disparition (en cours) émergent de cette alliance.

Formée à la danse classique à l’Académie Chaptal à Paris, c’est au travers cette discipline qu’elle commence à éprouver la scène. Elle rencontre et s’intéresse également à la danse contemporaine notamment par le biais universitaire (licence arts du spectacle à Paris 8). Parallèlement, diplômée d’Etat, elle débute son expérience dans l’enseignement au Conservatoire « Les Portes de l’Essonne ».Toujours passionnée par l'histoire de la danse, elle reprend ses études à L'Ecoles des Hautes Etudes en Sciences Sociales où elle débute des recherches sur l'émergence de la figure du chorégraphe William Forsythe. Aujourd'hui doctorante, elle poursuit ses recherches sous la direction d'Esteban Buch et Elizabeth Claire en interrogeant la question de la "déconstruction" dans le travail de William Forsythe.

Nicole Harbonnier est professeur en « étude du mouvement » à l’Université du Québec à Montréal depuis 2004. Elle a été interprète en danse, directrice artistique de la compagnie La Marelle et formatrice de professeurs de danse, spécialiste en Analyse fonctionnelle du corps dans le mouvement dansé (AFCMD), en France, entre 1980 et 2004. Après une maîtrise portant sur L’étirement du danseur, entre idéal et efficacité (Université Paris 8, 2000), elle obtient un Doctorat en Formation des adultes (Conservatoire National des Arts et Métiers, 2009) avec une thèse qui regarde l’enseignement de la danse à partir du champ de l’Analyse d’activité. Une étude (subvention du programme «Développement Savoir » du Conseil de Recherche en Sciences Humaines du Canada, 2013-2016) portant sur l’activité d’observation-analyse chez des experts formés dans deux approches différentes, l’analyse du mouvement selon Laban (LMA) et l’analyse fonctionnelle du corps dans le mouvement dansé (AFCMD), lui a permis d'élaborer une nouvelle proposition d'organisation des paramètres du mouvement. Cette recherche s’appuyait sur l’épistémologie de l’Analyse d’activité (Jean-Marie Barbier) et utilisait la méthodologie psycho-phénoménologique de l'entretien d'explicitation proposée par Pierre Vermersch. Elle poursuit actuellement ce projet (subvention du programme « Savoir » du Conseil de Recherche en Sciences Humaines du Canada, 2019-2024) en appliquant la nouvelle proposition de cadre d'Observation Analyse du Mouvement (OAM) à différents terrains artistiques (interprètes chorégraphiques, artistes mimes, gestuelle des chefs de choeur) et éducatifs (enseignement de la danse, intervention en danse adaptée). Harbonnier, N. (2019). De la marche au saut, il n'y a qu'un pas. In On danse? (pp. 31-40). Marseille: Lienart & Musée des civilisations de l'Europe et de la Méditerranée (MUCEM). Harbonnier, N. (2018). Faire ressentir : explorer la partie non visible de l’iceberg. In H. Duval, C. Raymond, & N. Turcotte (Eds.), Faire danser à l'école (pp. 151-171). Québec: Les Presses de l'Université Laval. Harbonnier, N. (2018). Représenter le mouvement pour le transformer. In J.-M. Barbier & M. Durand (Eds.), Représenter/ transformer. Débats en analyse des activités (pp. 103-128). Paris: L'Harmattan. Harbonnier-Topin, N. (2017). Associations d'activités dans l'enseignement de la danse. In J.-M. Barbier & M. Durand (Eds.), Encyclopédie d’analyse des activités (pp. 413-427): PUF. Harbonnier, N., Dussault, G., & Ferri, C. (2016). Regard croisé sur deux pratiques d’analyse du mouvement – l’analyse du mouvement selon Laban (LMA) et l’analyse fonctionnelle du corps dans le mouvement dansé (AFCMD) Recherches en danse, 5. doi: 10.4000/danse.1404 Harbonnier, N., Dussault, G., & Ferri, C. (2015). A psycho-phenomenological approach to movement analysis. Communication présentée à Ingenious Convergence of Dance culture II, SangMyung University, Seoul. Harbonnier Topin, N., Dussault, G., & Ferri, C. (2015). Vers une actualisation de l’analyse du mouvement dansé. Dans C. Stock (Éd.), Contemporanéiser le passé : Envisager le futur. Proceedings of the WDA Global Dance Summit. Angers: World Dance Alliance Harbonnier Topin, N., & Simard, H. (2015). Towards a constructive interaction between Somatic education and introspective verbalization. Dans Sarah Whatley, Natalie Garrett Brown & Kirsty Alexander (Éds.), Attending to Movement. Somatic Perspectives on Living in this World (pp. 239-250). : Triarchy Press. Harbonnier Topin, N., & Barbier, J.-M. (2014). L’apprentissage par imitation en danse : une « résonance » constructive? STAPS 103 "Artistique et sensible..." 2è partie, 35(1), 53-68. Harbonnier-Topin, N., & Barbier, J.-M. (2012). How seeing helps doing, and doing allows to see more: The process of imitation in the dance class. Research in Dance Education, 13(3), 301-325. Harbonnier-Topin, N. (2009). Autour de la proposition dansée. Regard sur les interactions professeur-élève dans la classe technique de danse contemporaine. (Doctorat Thèse de doctorat en sciences de l'éducation), Conservatoire National des Arts et Métiers, Paris. Harbonnier-Topin, N. (2008). Et si Platon avait raison? Dans S. Fortin (Éd.), Danse et santé: Du corps intime au corps social (pp. 157-167): Presses de l’Université du Québec. Harbonnier-Topin, N. (2001). L'Analyse du mouvement, une danse du regard: l'enseignement d'Hubert Godard. Nouvelles de Danse, 46-47 "Incorporer", 100-113.

JABLONKA Guillaume – Danseur / Chorégraphe / Chercheur praticien Après une formation à la danse classique à Strasbourg, il débute en tant que danseur à Hanovre, puis continue au Ballet National de Marseille et au Ballet du Nord avec Jean Guizérix et Wilfride Piollet. Il danse leurs chorégraphies de « L’Amour Médecin » à la Comédie Française et intègre leurs barres flexibles à son propre travail d’entraînement et de création. Il découvre la danse baroque au sein de la Cie l’Eventail dirigée par Marie-Geneviève Massé et poursuit son parcours baroque d’interprète dans l’ensemble Donaires d’Ana Yepes, ou auprès de Cristina Deda Colonna pour « Armide » de Lully. En 2006 il fonde la Cie Divertimenty et crée en tant que chorégraphe de nombreux spectacles dont le détail se trouve sur www.divertimenty.org. Il développe également son activité de chercheur praticien grâce à cette compagnie et notamment en tâchant de restaurer les danses du manuscrit Ferrère d'après les notations chorégraphiques datant de 1782. Un premier article intitulé « Restituer les danses du Manuscrit Ferrère » relate ce travail, cet article est consultable dans « Restitution et création dans la remise en spectacle des oeuvres des XVIIè et XVIIIè siècles », Annales de l'A.C.R.A.S, Juin 2010, p.259-266. Il est invité internationalement à présenter des conférences au sujet de son travail de recherche et a bénéficié du dispositif Aide à la Recherche et au Patrimoine en Danse pour le projet Identité du ballet-pantomime au XVIIIe siècle : des théâtres de la foire au manuscrit Ferrère, distingué par le Ministère de la Culture et le Centre National de la Danse. Une ressource documentaire est disponible à la consultation à la médiathèque du C.N.D. et le volume « All'Ungaresca – Al Español, 3. Rothenfelser Tanzsymposion », Freiburg (Allemagne), Fagisis, 2012, contient p.73 à 82 un article lié au projet et intitulé « French-Italian Dance Technique on the European Stage of the late Eighteenth Century ». Des éléments vidéos relatifs à ces recherches sont consultables sur le site www.divertimenty.org. Il est actuellement inscrit en Master 2 d'Études Théâtrales à l'Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle. Il est également titulaire du Diplôme d'Etat de Professeur de Danse et intervient régulièrement dans les conservatoires comme dans les écoles primaires, collèges et lycées. Il coordonne la Formation du Danseur à la Danse baroque, cycle annuel soutenu par la région Ile-de-France.

Je suis Victoire Jaquet, doctorante en anthropologie de la danse en deuxième année sous la direction de Jean-Michel Beaudet, au CREM de Nanterre. Je travaille à Marrakech auprès d'un groupe de danseurs depuis juin 2019. Mon travail s'intéresse aux modalités et aux enjeux de réception et de création en danse contemporaine.

Maître de conférences en espagnol et études latino-américaines à l’Université Paris-Est Créteil (Département LEA, Langues étrangères appliquées; laboratoire IMAGER-CREER EA 3958), Ivan Jimenez s’intéresse initialement à la convergence entre histoire et fiction chez certains romanciers de l’Argentine et de la Colombie (Andrés Rivera et Pablo Montoya, entre autres). Entre 2013 et 2019, au sein de l’ESPE, son travail dans la formation des enseignant.e.s du premier et du second degrés, l’amène à approfondir les liens entre pratiques artistiques et pratiques langagières en éducation. En parallèle, il développe son projet théâtral (cie. trazo) avec la mise en scène des monologues du Cubain Abilio Estévez. En danse, dans une démarche interdisciplinaire qui articule plusieurs champs – analyse du mouvement, études sur les imaginaires et l’altérité, certaines approches sociolinguistiques –, il étudie la dimension politique des gestes – dans la pratique amateur notamment –, et les rapports entre le passé historique et ‘le contemporain’ dans le travail de chorégraphes (« Tourner en rond : la danse entre inter- et transdisciplinarité dans AfterLight de Russell Maliphant », in De l’interdisciplinarité à la transdiciplinarité? (2017) ; « El amanecer de los cuerpos : ‘tiempo’ y ‘contemporaneidad’ en la danza de Cesena de Anne Teresa De Keersmaeker » (2016), Eidos 24 [en ligne]). Depuis quelque temps, ses recherches en histoire de la danse sont centrées sur plusieurs études de cas. À Cuba, il explore la période formative des fondateurs du Ballet Nacional, Alicia, Fernando et Alberto Alonso (« Une Carmen en cache une autre », in Danser en 68. Perspectives internationales (2018) ; « Corps et altérité : Giselle d’après Alicia Alonso (1943-1966) », Iberic@l 12 [en ligne]). En Colombie, il analyse le parcours du duo de danses folkloriques Los Darof – formé par Ofelia Betancur et Darío Arboleda (années 1960) – et le travail de la danseuse et chorégraphe Mónica Gontovnik avec le groupe Koré à Barranquilla (années 1970-1990). À présent, il avance dans la traduction en espagnol de De la création chorégraphique de Michel Bernard, et mène une recherche sur “danses et territoires” en collaboration avec le chorégraphe Sylvain Groud et le Ballet du Nord à Roubaix. https://imager.u-pec.fr/membres/enseignants-chercheurs/jimenez-ivan

Isabelle Kurzi a étudié la danse classique, contemporaine et jazz à l’Ecole de Danse de Genève avant de suivre le cursus du CNDC d’Angers dont elle sort diplômée en 1994. Elle a travaillé en tant qu’interprète avec les chorégraphes Bernardo Montet au CCN de Rennes, Thierry Bäe, Josef Nadj au CCN d’Orléans, Eric Lamoureux et Héla Fattoumi au CCN de Caen et Catherine Diverrès avec qui elle a construit un long parcours composé d’une dizaine de créations dont la dernière Jour et nuit. En 2009, elle rencontre le chorégraphe Olivier Dubois et participe aux créations et tournées de Révolution et Tragédie. Titulaire depuis l’année 2000 du diplôme d’état pour l’enseignement de la danse contemporaine, Isabelle Kürzi a enseigné pour les compagnies de danse avec lesquelles elle travaillait, en milieu scolaire et pour le théâtre. En 2017, elle met en scène la pièce En rotation, à partir du poème « Ode maritime » de Fernando Pessoa, pour les vingt comédiens de 3ème année de l’Ecole du jeu à Paris. Isabelle Kürzi fonde en 2006 la compagnie Stalker lors de la création du solo Unheimlich (L’inquiétante étrangeté) dont l’écriture associait le geste et la parole. Avec sa deuxième pièce Tempus Octo créée en 2015 elle poursuit ce chemin partant de la figure de l’actrice Jean Seberg en l’inscrivant dans la mystérieuse ronde du temps. Les projets pédagogiques menés au sein de la compagnie proposent d’expérimenter des thèmes et outils des pièces Unheimlich, Tempus Octo et En rotation. Diplômée d’un master Arts, Philosophie, Esthétique option Danse à L'Université de Paris VIII en 2017 elle rédige un mémoire sur la question de l’expérience temporelle en danse à partir de témoignages personnels et d’entretiens avec des interprètes. Elle poursuivra se travail de recherche dans le cadre du projet « L’expérience temporelle en danse » soutenu par le Centre National de la Danse dans le cadre de l’Aide à la recherche et au patrimoine en danse 2020.

La recherche que mène la Manufacture est en prise directe avec les questionnements les plus aigus de la création contemporaine dans le champ des arts performatifs. Elle embrasse les trois orientations de la recherche en arts : une recherche sur l’art comme peuvent l’être les sciences humaines ; une recherche pour l’art comme peuvent l’être les sciences et technologies ; et une recherche par l’art appelée aussi recherche-création. Cette recherche fondée sur les pratiques artistiques développe des savoirs singuliers au croisement des disciplines et se distingue de la recherche académique universitaire. Ses problématiques se forgent - et ses résultats s’élaborent - dans l’expérience de la scène et de la performance ou à partir d’une connaissance fine et approfondie de cette expérience. Elle élabore des méthodologies spécifiques, et invente et/ou développe des formats de publication (de mise en partage des résultats) adaptés. Elle concerne l’ensemble des pratiques et des réflexions aptes à nourrir, innover, décloisonner les arts performatifs ; aptes à renouveler les approches et les méthodes de la création scénique ; à interroger les pratiques traditionnelles ; à mettre en œuvre des protocoles de recherche et d’enseignement articulant théorie et pratique ; et à rendre les pratiques artistiques actives au sein d’autres champs. Dans cet objectif, la mission recherche de la Manufacture travaille en partenariat avec d’autres hautes écoles d’art, des universités et la profession des arts de la scène, à l’échelle nationale et internationale et veille à encourager la relève. La Manufacture s’engage ainsi à identifier des formes de recherche propres à une haute école du domaine des arts performatifs, à initier une attitude de recherche au sein de l’ensemble des filières de formation, et à favoriser des projets permettant l’intégration de jeunes chercheurs, voire leur autonomie. Chaque projet développé réunit une équipe intégrant des praticiens et des théoriciens, en fonction des objectifs spécifiques de la recherche. La majorité des membres de ces équipes enseignent également au sein des différentes filières en qualité d’intervenants. Certains projets associent les étudiants et leur permettent ainsi de se confronter régulièrement aux différentes problématiques de la recherche lors de séances d’expérimentation alliant théorie et pratique, et de développer une véritable culture de la recherche. Yvane Chapuis, responsable de la recherche

Formée au conservatoire de la Roche sur Yon puis au Trinity Laban conservatoire de Londres, Maëva se forme à différentes techniques de danse tout en développant sa sensibilité artistique et chorégraphique. Intéressée par les liens entre pratique et théorie, Maëva poursuit ses son parcours au département danse de Paris 8 où elle soutient en 2016 son mémoire de master 2 et envisage de s'inscrire en doctorat en septembre 2018. Ses recherches portent sur la danse butô et l’histoire de la danse en France. En parallèle à son parcours universitaire elle collabore régulièrement avec Alain Michard, Marguerite Danguy des Déserts et Marie-Gabrielle Rotie. Elle fonde en 2014 l’association Allégorie Danse et crée un solo, Momentum qui sera diffusé en France et à l’étranger. Diplômée d’état en danse contemporaine, Maëva enseigne également l’histoire de la danse au conservatoire de Gennevilliers et mène régulièrement des actions de sensibilisation artistique. En 2017 Maëva obtient une bourse d'aide à la formation de l'Adami en partenariat avec le CND de Pantin.

Anthropologue en danse et spécialisée en Afrique, Mahalia Lassibille est maître de conférences au département danse de l’université Paris 8. Son travail ethnographique a été centré au départ sur l'analyse des danses des Peuls WoDaaBe du Niger dans un cadre cérémoniel, scénique puis touristique, en croisant des outils utilisés en danse (analyse du mouvement...) et en anthropologie. Elle mène actuellement ses recherches sur l’usage des catégories en danse, en particulier celles de « danse africaine » et de « danse africaine contemporaine », en considérant la manière dont les chorégraphes et danseurs les utilisent, se les réapproprient et les réinterprètent (Niger, Mali). Elle est trésorière adjointe de l’aCD et membre du comité scientifique éditorial de la revue Recherches en danse. Parmi ses publications : « « La danse africaine », une catégorie à déconstruire » (Cahiers d’Etudes Africaines, N° 75, 2004 : 681-690) ; « Les danses woDaaBe entre spectacles touristiques et scènes internationales : les coulisses d’une migration chorégraphique » (Autrepart, N°40, 2006 : 113-129) ; « Les danses africaines traditionnelles: des pratiques contemporaines » (in Annie DUPUIS (dir.), Ethnocentrisme et Création, Editions de la Maison des Sciences de l'Homme, Paris, 2013: 451-469)…

Vidéaste-plasticienne et chercheuse indépendante en danse, Marianne Louise Lebon est formée en danse jazz et titulaire d'un master en Arts et Technologies Numériques à l'Université de Rennes. Depuis 2008, elle poursuit une recherche pionnière et approfondie sur le passage "Du corps dansant à son image". Les questions d'hybridation, de métamorphose et de mutation à l'ère informatique sont centrales dans sa recherche à la fois plastique, théorique et poétique. Directrice artistique du Festival International de Danse Animée porté par l'association Hangars Numériques à La Réunion, elle dirige un centre d'étude et de recherche en danse animée et une plateforme participative dédiée à l'animation en danse.

Betty Lefèvre est Professeure émérite des Universités, Anthropologue et chercheure du laboratoire CETAPS de l'université de Rouen. En tant qu'anthropologue, ses recherches se sont focalisées non pas sur une zone géographique mais sur une activité sociale: les pratiques corporelles artistiques. Enseignante/danseuse, son terrain d'observation des corporéités s'est initié avec la danse d'expression africaine en France (sujet de sa thèse en sociologie) puis s'est porté sur les danses contemporaines et les arts de la rue. À partir d'une posture pragmatique, les multiples variations des corps en mouvement exposés vont être appréhendées comme des "totalités signifiantes" : en quoi ces activités artistiques font-elles sens pour ceux qui les pratiquent, ou qui les regardent, que font-elles, que font-elles faire, que font-elles dire ? En quoi sont-elles une manière de se voir et de se dire pour les sociétés comme lieux privilégiés de la réflexivité ? Parmi ses axes de recherches, Betty Lefevre s'intéresse aux processus de transformations des imaginaires sociaux sur les masculinités/féminités dans « les mondes de la danse ». Elle a publié deux ouvrages, des chapitres d'ouvrages et des articles dont voici les plus récents : La fabrique du féminin en danse contemporaine, communication en ligne dans Actes du 1er Congrès international Etudes de genre en France, ENS de Lyon du 3 au 5 septembre 2014 ; « La danse contemporaine et ses rituels », in Corps et Culture n° 4 (1999), traduit pour la Revue australienne The Dancehouse Diary, issue#7 Sacred and profaned-rituals of now, 2014 ; Arts métis: l'exemple de la danse et du cirque contemporains, in BLIN Myriam-Odile (dir.) Arts et cultures d'Afrique. Vers une anthropologie solidaire, Rouen, PURH, 2014, pp. 173-182 ; L’atelier en danse contemporaine, in Association Passeurs de danse (dir.), Inventer la leçon de danse, CRDP de Clermont Ferrand, 2013 ; « Pratiques corporelles artistiques et regard de l’autre », Revue L’Ethnographie/ Création, Pratiques, Publics, numéro spécial, Éditions l’Entretemps, 2012 ; « Variations sur le genre dans une formation au professorat de danse », Journal des Anthropologues. Les rapports de sexes sont-ils solubles dans le genre ?, n° 124-125, 2011.

La disparition de Dominique Bagouet a posé avec brutalité le problème de la préservation et de la transmission d'un patrimoine chorégraphique. En 1993, la structure « Carnets Bagouet » est créée pour coordonner et réaliser toutes les initiatives à imaginer à partir de cette œuvre. L’association Les Carnets Bagouet est ainsi fondée sur : une certitude : être dépositaire de quelque chose « qui vit en nous » ; une évidence : l’importance de cet héritage et l’importance des traces matérielles ; une nécessité : transmettre. L’originalité des Carnets Bagouet est dans le choix méthodologique du collectif, autant que dans la réflexion en acte, la discussion critique et cette interrogation sur le rapport à l’œuvre qui émerge de ces vingt années. La multiplicité des réponses, des manières de faire, des supports, des formulations, fait qu’au lieu d'apparaître limité, le travail de mémoire s'ouvre. Au nombre prévisible et relativement clos de tâches se substitue le travail d'une ouverture vers de nouveaux projets. Nous savons que la danse de Dominique n'est plus. Advient alors une nécessité nouvelle, celle de l'ouverture à d'autres regards, à d'autres pensées, celle de la confrontation à d'autres disciplines, à d'autres modes de réflexion, à d'autres modes d'action, à des personnes qui n'ont pas connu elles-mêmes Dominique Bagouet.

Irene López Arnaiz est docteure en Histoire de l’Art (Université Complutense de Madrid, 2018). Elle a réalisé sa thèse de doctorat entre 2014 et 2018, financée par un contrat pré-doctoral du Ministère de l'Économie et de la Compétitivité (Gouvernement de l’Espagne). Elle est actuellement chercheuse postdoctorale à l'Institut d'Histoire du Conseil national de la recherche espagnol (Consejo Superior de Investigaciones Científicas). Elle fait partie des projets de recherche Trama et Sílfide financés par le gouvernement espagnol, portant respectivement sur l'étude transculturelle de l'art moderne et contemporain et sur l'étude de la danse en Espagne. Elle a fait plusieurs séjours de recherche à Paris (Institut national d'histoire de l'art et Centre d'études de l'Inde et de l'Asie du Sud, EHESS-CNRS), à Londres (Victoria and Albert Museum) et à Barcelone (Universitat de Barcelona). Ses lignes de recherche portent sur l'étude interdisciplinaire de la danse et des arts visuels aux 19e et 20e siècles, en accordant une attention particulière aux processus de construction des imaginaires "orientalistes" dans ces contextes. Dans ce domaine, elle accorde une attention particulière à la diffusion des danses du Sud et du Sud-est de l’Asie en Occident au cours de cette période. Elle étude également des relations entre l'ésotérisme et les arts visuelles et scéniques. Elle analyse aussi l'œuvre des artistes femmes dans les domaines de la danse et des arts visuels à cette époque. Elle a enseigné à l'Université Antonio de Nebrija et au Département d'histoire de l'art de l'Université Complutense de Madrid. Entre 2018 et 2020 elle a travaillé au Musée National Thyssen-Bornemisza. Voici une sélection de ses œuvres les plus significatives : « Sculptures vivantes : la réception et re-création des danses indiennes en Occident (1900-1939) », Perspective. Danser, nº 2, 2020. - « La danse de Śiva d’Auguste Rodin à Nyota Inyoka. La métaphore de la cosmogonie et de la création artistique », T.L et R.R (dir.), La danse de Shiva : icone du rhythm et language des gestes entre l'Inde, l'Europe et les États Unis, Les Indes Savantes, Paris (à paraître). - «Movimientos imaginados, gestos rastreados. Nyota Inyoka, una (re)creación mestiza de las danzas indias», E.F.B et S.R.A (dir.), Las mujeres que inventaron el arte indio, Madrid, Asimétricas (à paraitre, 2021). - «De la creación escénica a la ficción autobiográfica. Las bailarinas hindúes encarnan su propio mito», Géneros y subjetividades en las prácticas artísticas contemporáneas, Editorial Arcibel.- «El arte encarna la vida. Ritmo, movimiento y cuerpo en la modernidad europea», T.A. ; C.I ; E.F (dir.), Ritmo: el pulso del arte y la vida, Madrid, Abada, 2015, pp. 111-136.

Doctorante au sein du Centre Transdisciplinaire d’Épistémologie de la Littérature et des arts vivants (CTEL) de l'université de Nice Cote d'azur depuis 2017, sous la direction de Marina Nordera et Joëlle Vellet. Mes travaux de recherche questionnent les outils Labanien au coeur du processus de re-création chorégraphique à partir d'une partition en Cinétographie. Diplômée du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, en Cinétographie Laban depuis 2017. Chargé de TD à l’université Nice Côte d’Azur. Membre active de l’Association National des Notateurs du Mouvement, Envol des signes et de l’International Council of Kinetography Laban. Publication : Anaïs Loyer, «La notation chorégraphique : une forme de survivance du passé», La Revue du Conservatoire [En ligne], Création/Re-création, Le sixième numéro, La revue du Conservatoire, mis à jour le : 08/12/2017, URL : http://larevue.conservatoiredeparis.fr/index.php?id=1815.

Danseuse improvisatrice et chercheuse en danse, Zenaïda Marïn commence sa formation à l’École de danse et ballet de l’Université des Andes à Mérida au Venezuela puis poursuit une formation comme interprète de danse classique à l’École Nationale d’Art de la Havane à Cuba à la fin des années 1990. À son retour au Venezuela, elle arrête la danse classique et intègre la troupe de danse contemporaine Danza-T, dirigée par Merysol Léón. Cette expérience se compose de performances et interventions urbaines surgies pour ré-habiter poétiquement certains espaces et a pour effet un profond changement de sa corporéité. A cette période, elle reprend des études à la Faculté des Humanités de l’Université des Andes, d’abord en Licence d’Histoire de l’art (2007), puis en Master de Philosophie (2011). Depuis 2007, elle est invitée à faire partie des artistes engagés à la création des études en danse et arts de mouvement au sein de la nouvelle Faculté d’Art de l’Université des Andes ULA. À partir de 2009 et jusqu’en 2020, elle fera partie des enseignantes de cette faculté, lieu de résistance contre l’autoritarisme du régime politique en place. Le groupe Hambrientos de Libertad créé en 2017 a été une expérience de lutte collective dans la rue à travers le geste dansé à Merida au Venezuela. En 2018, elle quitte son pays pour venir en France faire le Master en Art mention Danse au département danse de l’Université Paris 8. Sa recherche s’intéresse tout d’abord aux liens entre des œuvres chorégraphiques contemporaines et la notion de sex-appeal de l’inorganique du philosophe italien Mario Perniola, puis évolue au cours de sa demande d’asile et au contact d’autres recherches. Exilée politique depuis 2019, elle prend conscience de l’importance de développer l’histoire de la danse moderne au Venezuela et travaille sur les traces de la danseuse Sonia Sanoja, une des figures pionnières de la danse moderne dans son pays, en soutenant le mémoire : Circulations de la danse moderne : dialogues avec les traces de Sonia Sanoja (1946-1994), sous la direction de Sylviane Pagès. En 2020, suite au confinement global dû à la COVID-19, elle crée le Virtual Dance Lab (VDL) avec Juliana Mendonca aux États-Unis et Eric Urriola en Espagne, anciens enseignants à l’ULA et danseurs-chorégraphes de la diaspora vénézuélienne. Elle est doctorante contractuelle à l’École doctorale esthétique, sciences et technologies des Arts EDESTA à l’Université Paris 8, depuis novembre 2022. Son projet de recherche-création intitulé : Traversée en danseuse les écrits de la chorégraphe vénézuélienne Sonia Sanoja : réinventer les pratiques de soi dans l’exil est dirigé par Julie Perrin et codirigée par Sylviane Pagès

L'échangeur – Centre de Développement Chorégraphique National Hauts-de-France (Château-Thierry) inscrit au centre de son projet le soutien à la création et la relation entre les œuvres chorégraphiques et les populations. Pour ce faire, il s’attache à assurer une présence d’équipes artistiques sur le territoire qui l’environne, en particulier sous forme d’accueils en résidence destinés à soutenir leur travail de création mais aussi par la diffusion de leurs œuvres durant les manifestations et festivals qu’il organise ou à travers les partenariats qu’il établit. L’échangeur défend une action faisant la part belle à la qualité des relations mises en place, conjuguant accueil et convivialité, création et médiation, proximité et rayonnement. Vigilant aux questions d’égalité, L’échangeur travaille également à une représentativité réelle dans ses invitations d’artistes avec une attention forte portée à la parité femme-homme, à la diversité, à la pluralité générationnelle et géographique. La permanence artistique ainsi constituée permet une politique forte de relations avec les populations et d’actions culturelles. En lien avec les équipes artistiques invitées en résidence, L'échangeur – CDCN développe de nombreuses actions de sensibilisation, d’éducation artistique et culturelle et des temps de rencontre permettant un contact direct des populations avec la création d’aujourd’hui en prise avec les enjeux sociétaux. Le CDCN développe un Centre de ressources (livres, revues, etc.) concernant la création chorégraphique, en s'attachant à couvrir également une approche historique et esthétique. Le catalogue répertorie plus de 1 000 documents. Afin de partager avec le plus grand nombre et de communiquer sur les ouvrages disponibles et référencés, L’échangeur – CDCN et la Médiathèque Jean Macé de Château-Thierry ont décidé de mettre en commun leurs bases de données en ligne en 2017.

Oriane Maubert est ATER à l'Institut d'Etudes Théâtrales de Paris3, et a été Enseignante contractuelle à l'université d'Artois et chargée de cours à Paris 8 Saint-Denis-Vincennes. Elle délivre des cours sur la marionnette et le corps, le théâtre et la vidéo, l'histoire de la mise en scène, la méthodologie du travail universitaire, la scénographie, et a donné des ateliers du spectateur sur la marionnette et la danse contemporaine. Elle prépare actuellement une thèse intitulée « La Marionnette danse. Ré-activer le geste sur la scène contemporaine » à l’Université de Montpellier 3 Paul-Valéry sous la direction du Pr. Didier Plassard au sein du laboratoire RIRRA 21. Oriane Maubert est membre du comité éditorial de la revue MANIP, Journal Trimestriel de la Marionnette édité par THEMAA, ainsi que rédactrice pour Action Parallèle et Le Cercle de la Critique. Depuis 2014, Oriane Maubert bénéficie des bourses de résidence de recherches à l’Institut International de la Marionnette. Elle a obtenu une bourse de l'aCD en 2016. Après deux ans de classes préparatoires littéraires et des études en Lettres Modernes et en Études Théâtrales, Oriane Maubert a effectué un Master Recherches à Paris 3 sous la direction d’Éloi Recoing intitulé "Neville Tranter et la marionnette : une incarnation désincarnée". Elle a également travaillé pendant un an pour THEMAA en qualité de chargée de communication et de valorisation des traces des journées de recherches. Elle fait partie de l'équipe de coordination de l'Atelier des doctorants en danse, chapeauté par le C ND, Service Recherches et Répertoires.

Docteure en Arts (CTEL-UNICE), Master en Études en Danse, diplômée en Recherches Sociales sur le Corps et en Histoire de l’Art, Adeline Maxwell est chercheuse, enseignante universitaire ainsi que dans des collectifs indépendants. Créatrice et directrice du Centre de Recherches sur la Corporéité et les Arts de la Scène (Chili), elle a notamment crée l’Espace d’Échange sur Danse et Genre et le Festival de Danse en Espace non Urbain. Adeline Maxwell est également membre du comité de lecture des revues Revue de l’association des Chercheurs en Danse (aCD, France) et Efimera Revista (Espagne), du jury du Mestrado em Dança de l’Université Fédérale de Bahía, Brésil, éditrice-auteure de la plateforme DanzaSur, créatrice et collaboratrice du réseau latino-américain de la danse DanzaSur et responsable de l’atelier nomade "Cartographies imaginaires". Actuellement elle effectue un post-doctorat au sein du laboratoire RIRRA 21 de l’Université Paul Valéry Montpellier 3. Entre ses dernières publications se trouvent Lecturas Emergentes sobre Danza Contemporánea (LOM, 2015), livre dont elle est l’éditrice, DanzaSur: Viaje por el continente de las maravillas (CNCA, 2016); Street-space as heterotopic resistance in Chilean contemporary dance, dans DeFrantz T. y Rothfield P. (eds.), « Choreography and Corporeality: Relay in Motion » (Palgrave, 2016); Creative disclosing and appropriation of otherness: New horizons for a discipline that was called dance, dans Postdance MDT (Routledge, 2017), Danse indépendante. Nouvelles pratiques de résistance au Chili (Ed. de la Marge, 2017), Danse Scénique Chilienne et Héritage. Entre Recherche d’un “Langage National” et “Transferts Culturels” (Danza e ricerca. Laboratorio di studi, scritture, visioni, 2018) et Micropolítica de la escena (a veces sin escena): ¿Cómo imaginar otras formas de encuentro entre personas a partir de algo a lo que se le suele llamar danza? (Efimera Revista, 2018).

Je suis et je viens du croisement de plusieurs langages artistiques différents. Au Brésil, mon pays d’origine, je me suis formée auprès de la GRS, du cirque, du jonglage, des arts plastiques, du théâtre de l’opprimé (Augusto Boal) et de la danse. Sous un point de vue plus formel, j’ai deux formations universitaires, un Bac+5 en Sciences de l’éducation (UFRJ-Brésil/Rio) et une Licence Arts du Spectacle, mention danse (Paris VIII - Saint-Denis) en plus d’une formation en arts visuels (Ecole d’Arts Visuels du Parque Lage/Rio). Au Brésil j’ai travaillé en tant qu’artiste dans la cie « Martin Malabares », j’ai intégré le collectif d’arts de rue « Coletivo Bravos » et de la troupe théâtrale "Madalenas". J'ai aussi travaillé au Centre d'art de Marè avec Lia Rodrigues. En 2016, j’étais lauréat de la bourse "Profession culture" (Ministère de la Culture français/l’Institut Français) pour une formation de 3 mois au CND Pantin. En France j’ai performée et assistée la chorégraphe Fanny Vignals (Cie Ona Tourna) pour la création de « Ainda da – textes pour un non poème ». Les projets professionnels plus importants en ce moment sont : médiation culturelle et artistique (voir dansée) au Musée d’Art Contemporain du Val-de-Marne (MAC VAL) ; performances ponctuels avec ou sans jonglage de feu ; et je chorégraphie et j’assiste le metteur en scène et écrivain Cédric Jacquemont pour la création “PRELUDE OU LA CHUTE DE” (2020-2021). Depuis 2019 je suis inscrite à Paris 8 pour un Master en Danse, sous la direction de Mahalia Lassibille. Mon objet d’étude est le projet Dancing Museums, une coopération entre six pays d’Europe, porté par le CDCN La Briqueterie, dont le MAC VAL est partenaire. Six artistes chorégraphes ont été choisis pour bénéficier de : dix semaines de résidences artistiques, trois séminaires, six workshops et des évènements divers dans les institutions partenaires au long de trois ans. L’objectif de ce projet est de comprendre comment, à travers la danse, il est possible d’offrir de nouvelles manières d’expérimenter l’art et l’héritage, en aidant les publics et spectateurs à s’engager viscéralement et intellectuellement avec les œuvres d’art. A travers une étude de cas, je propose d’interroger le « toucher » dans un espace muséal via la résidence de recherche de la chorégraphe qui représente la France dans cette coopération internationale : Ana Pi. Le choix du sujet se dessinait déjà avant la pandémie, le contexte lequel nous vivions actuellement a rendu le sujet encore plus pertinent : questionner ce que l’on touche quand ce geste devient « impossible », indépendamment du protocole de conservation des œuvres d’art.

Danseuse, Julie Meyer-Heine est interprète pour Didier Théron, Gabriel Hernandez, Christine, Gérard, François Verret, Maïté Fossen, Daniel Dobbels, Christina Towles et Laurence Pages ; actuellement elle danse pour la compagnie Kalam’ qui mêle des danseurs autistes à ses projets. Parallèlement à la scène, elle mène un travail de recherche qui interroge différents champs de la danse touchant à la fois à l’artistique au culturel et au pédagogique. Elle questionne les fondamentaux en danse liés à l’espace le temps le poids le regard la relation... pour proposer une manière d’entrer dans la danse la plus pertinente possible. Ces entrées se matérialisent par des actions culturelles et artistiques auprès des publics souvent éloignés de la culture, mais aussi auprès d’étudiants, enseignants danseurs. D’un point de vue de la recherche elle soulève des sujets qui lient le pédagogique et l’artistique, tels que: Comment les mouvements primaires influent sur notre manière de bouger. Comment la maturité en danse se vie. Elle apprend la langue française des signes, et tisse un travail pédagogique et artistique avec des personnes en situation de handicap. Titulaire du DE, elle intervient dans le cadre d’actions artistiques, de formations pour formateurs, d’ateliers du regard, de la danse au Bac, auprès de nombreuses structures culturelles. Elle est responsable du 94 coordination danse, pour le Projet Démos avec la Philharmonie : expérience éducative centrée sur la pratique musicale collective et l’accès à l’univers de la musique classique, et coordonne une équipe artistique pour des résidences territoriales aux Ulis en partenariat avec le théâtre Boris Vian. Elle tient un blog : « Poétique de l'oblique ». Quand le pédagogique rencontre l'artistique. Passerelles et transversalités autour de l'atelier en danse : http://poetiquedeloblique.overblog.com/

I begin a Music/Dance PhD at University College Cork this fall, 2022. This research-creation doctorat follows a Masters with First Class Honours in Ethnochoreology from the University of Limerick. My Masters thesis and ongoing research title is "From Blues Dance to African Diaspora Identity". Integrated with my thesis was Decode Noir – a multimedia history of African Diaspora Rhythms – as a presentation and an online exhibition. It features ethnographic interviews and drum recordings, a timeline, dance demonstrations and archival material. The data is in French and English, from local and international sources/terrains. The story of the African diaspora is bigger than France, bigger than Ireland, sometimes its known as the 'Black Atlantic'... I'm consciously contributing to that story. https://www.decodenoir.org

Luar Maria Escobar est chercheuse, enseignante et chorégraphe. Docteure en danse et en arts du spectacle, sa thèse intitulée « De la chorégraphie à la dramaturgie du geste : mutations de pratiques chorégraphiques du théâtre à Rio de Janeiro » a été réalisée dans le cadre d’une cotutelle entre l’Université Paris 8 et l’Université fédérale de l’état du Rio de Janeiro (UNIRIO). Actuellement, elle est post-doctorante à l’École universitaire de recherche ArTeC, rattachée au laboratoire Geste, Danse et Corporéité de l’Université Paris 8. Madame Julie Perrin est sa correspondante scientifique. Son projet de recherche postdoctoral s’intitule « Un violador en tu camino et Black Lives Matter : gestes, média et agentivité politique de la vulnérabilité ». Sa recherche vise à interroger la mise en geste des actions politiques au sein du mouvement féministe Un violador en tu camino (octobre 2019) et du mouvement antiraciste Black Lives Matter (juin 2020). Elle a pour objectif d’examiner la manière dont ces actions politiques expriment à travers des gestes et, à plus grande échelle, des chorégraphies, un pouvoir d’agir incarné, capable de questionner la prétendue incompatibilité entre vulnérabilité et action politique. À cet effet, son projet examinera les productions audiovisuelles sur ces deux mouvements protestataires, diffusées notamment à travers les réseaux sociaux, afin de répertorier et décrypter leur contenu gestuel et chorégraphique par l’approche des études en danse. Ses recherches se consacrent essentiellement à explorer l’interaction entre les dimensions sensibles et signifiantes du geste humain dans le domaine de la danse contemporaine, du théâtre performatif et du monde social. La dimension dramaturgique du geste constitue le cœur de sa démarche. Ses thèmes de recherche sont principalement : Dramaturgie en danse ; Analyse des pratiques en danse contemporaine ; Pratique artistique et monde social et Analyse des pratiques par l’analyse du mouvement. Elle a publié et présenté ses recherches au Brésil, au Portugal et en France. Ces travaux plus récents sont : . La dramaturgie, un exercice de médiation in Isabelle LAUNAY et Silvia SOTER (dir.), Sismographies, Lia Rodrigues, 30 ans de compagnie, Paris, Éd. de l’Attribut, 2021 ( à apparaître). . Klauss Vianna et le geste comme dimension dramaturgique dans le théâtre brésilien : de la chorégraphie à la direction de mouvement, in M. DE OLIVEIRA (dir.), A presença do texto na dança e no teatro contemporâneos, Lisboa, Centro de Estudos de Teatro da Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa, 2020 (avec Joana Tavares). Dans le domaine artistique, Luar Maria Escobar a collaboré avec plusieurs artistes et compagnies brésiliennes comme celles de Eleonora Fabião, Dani Lima et Intrépida Trupe, dans des projets en théâtre, en danse et en performance. Depuis 2010 elle signe ses propres créations au moyen desquelles elle explore la « dramaturgie du geste ». Lauréate 2020 de l’Institut français, elle a développé une création chorégraphique dans le cadre d’une résidence artistique à la Cité internationale des arts de Paris.

Franco-brésilienne vivant entre Rio et Paris. Professeur de danse, artiste de variétés, animatrice jeunes enfants, anthropologue, gestion de musées. Danse au Brésil 1930 - 1960, entre tuttus et rebolados - circulation internacional des artistes et construction de l'identité nationale. Recherche de fonds chorégraphiques et iconographiques. Patrimoine et marché chorégraphique. Histoire culturelle de la danse.

Marie-Thérèse Mourey est Professeur émérite de littérature allemande et d'histoire culturelle du monde germanique (Sorbonne Université, Lettres). Ses recherches portent en particulier sur la danse et les arts du spectacle depuis le XVIe siècle (anthropologie historique, poétique et esthétique du ballet, livret de ballet, théories des représentations et de la performance), en contexte européen, ce qui inclut la question des modèles et des transferts entre aires culturelles, ainsi que les phénomènes d'hostilité religieuse envers les arts profanes. En dehors de nombreux articles (dont: Entre pratiques, techniques et esthétiques : politiques et imaginaires de la danse dans l’espace germanique, in: Allemagne d'aujourd'hui, N° 220, 2017; « Le Corps, le Verbe, les sens: la haine du théâtre dans l'espace germanique (XVIe-XVIIIe siècle) », in: La Haine du théâtre. Débats et controverses, dir. François Lecercle et Clotilde Thouret, Toulouse, Presses Universitaires du Midi [Littératures classiques N° 98, 2019), elle a dirigé plusieurs ouvrages: La danse baroque. La pratique de la danse à la lumière des sources vers 1700 (2008), Danseur, chorégraphe, théoricien de la danse et du ballet: Jean-Georges Noverre (1727-1810), un artiste européen au siècle des Lumières (2011), ainsi que Tauberts « Rechtschaffener Tantzmeister » (Leipzig 1717): Kontexte - Lektüren – Praktiken (2019). A paraître: deux monographies: Les Corps en spectacle. Danser en Allemagne au XVIIe siècle, et Les Corps éloquents. Poétique et esthétique de la 'belle danse' française à la lumière des sources allemandes (XVIIe-XVIIIe siècles).

Tatiana Nikitina est actuellement doctorante en études slaves à l’université Bordeaux Montaigne, au sein du CLARE (Cultures, Littératures, Arts, Représentations, Esthétiques - EA 4593). Sa thèse intitulée « Entre Romantisme et âge d’argent, l’exemple d’hybridation culturelle : “le ballet russe” de Marius Petipa » est en cours d'achèvement. Elle travaille sur l’œuvre de Marius Petipa, un exemple d’hybridation culturelle à la frontière entre deux pays et deux époques ; ses recherches évoluent à travers et entre les disciplines de l’histoire de l’art, l’histoire de la danse, l’étude de l’interculturalité et des civilisations. Doctorante allocataire, elle fait partie de l’équipe du programme de recherche « De Bordeaux à Saint-Pétersbourg, Marius Petipa (1818-1910) et le ballet “russe” : transfert, appropriation, réinterprétation d’un modèle culturel » à la Maison des Sciences de l'Homme d'Aquitaine, Pessac

Sarah Nouveau a un parcours de danseuse contemporaine et de chorégraphe. Elle a également été clown et comédienne. Enseignante diplômée d'Etat en danse contemporaine, elle a également suivi un cursus universitaire en philosophie (Sorbonne-Paris IV) et en culture chorégraphique (CEFEDEM-Sud, sous la direction de Laurence Louppe). Elle enseigne la culture chorégraphique et anime des conférences et a publié aux éditions L'Harmattan : -Le corps wigmanien d'après "Adieu et Merci" (1942), en 2011, -Danser l'ailleurs, recueil de conférences, en 2014, -La culture chorégraphique au coeur de l'enseignement de la danse, en 2015.

Camille Paillet est docteure en danse et chercheuse associée au Centre d’histoire sociale des mondes contemporains (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne/CNRS). Elle s’intéresse à l’histoire sociale et culturelle de la danse, en contexte festif ou dans le champ du divertissement. En 2019, elle soutient sa thèse "Déshabiller la danse. Les scènes de café-concert et de music-hall (Paris, 1864-1908)" sous la direction de Marina Nordera à l’Université Côte d’Azur. En 2020, elle intègre le laboratoire Musidanse (UPL/Université Paris 8) dans le cadre d’une recherche postdoctorale intitulée "Le Cancan en héritage. Dynamiques patrimoniales et circulations des pratiques dansées sur les scènes du music-hall (Londres, Paris : 1860-1930)". Elle crée un premier cycle du séminaire Les Vendredis du music-hall à la Maison des Sciences de l’Homme Paris Nord et met en place le carnet de recherche Hypothèses "Héritages, héritiers du music-hall". Elle a co-dirigé l’ouvrage "Pratique de la pensée en danse. Les Ateliers de la danse" (l’Harmattan, 2020) et est l’auteure d’une série d’articles, parmi lesquels : « Bâtir la catégorie du populaire au café-concert », Recherches en danse, 8, 2020 ; « Se déshabiller sur scène au tournant du siècle. Le Coucher d’Yvette (Paris, 1894) », Clio. Femmes, genre, histoire, 54, 2021; « Pratiques et imaginaires prostitutionnels dans les cafés-concerts et les music-halls parisiens au XIXe siècle », Revue d’histoire culturelle, 4, 2022. En 2021, elle poursuit ses travaux sur l’histoire des pratiques populaires et festives de la danse en qualité d’ingénieure de recherche à la Théâtrothèque Gaston Baty de l’Université Sorbonne Nouvelle(CollEx-Persée) où elle développe le projet de médiation scientifique "Paris s’amuse ! Mémoires du divertissement et du spectacle populaire". La même année, elle coordonne, avec Laura Steil et en collaboration avec le Centre national de la danse, les Journées d’étude "Fête dansante. Pratiques, imaginaires et cultures festives en danse". En 2022, elle obtient un contrat postdoctoral et intègre l’équipe du projet ANR "EnDansant. Pour une histoire des enseignant.es en danse". Lien vers sa page professionnelle : https://histoire-sociale.cnrs.fr/camille-paillet/

Claudia Palazzolo est enseignant-chercheur à l’université Lumière-Lyon 2. Ses recherches portent sur l’histoire culturelle de la danse et l’étude des représentations en danse et de la danse. Elle a co-dirigé, Des Mains modernes : cinéma, danse, théâtre, photo, 2009. Parmi ses articles récents : « Sur les traces du jerk de la Messe pour le temps présent de Maurice Béjart. Une figure de la danse en 1968? » in Danser en Mai 68, 2014 ; « La nouvelle danse française dans la presse italienne », Actes des rencontres nationale danse de Vannes, 2014, « Entrer, d’un pas, dans le flux de ce monde. Une lecture d’Umwelt de Maguy Marin », Agon, 2013.

Doctorat débuté en 2009 sous la direction d' Isabelle Launay : "1968-1978 : construction et identités du champ chorégraphique contemporain en France".

Béatrice Pfister est une jeune chercheuse spécialisée dans la théorie du ballet aux XVIIe et XVIIIe siècles, notamment dans les domaines français et italien. Elle a soutenu en 2020 sa thèse de littérature comparée intitulée "La danse à la conquête du statut d'art. Apologie et théorie du ballet dans les textes français et italiens de la fin du XVIe à la fin du XVIIIe siècle" (à la Sorbonne Nouvelle, sous la direction de Françoise Lavocat). Normalienne et agrégée de lettres modernes, elle participe régulièrement à des colloques internationaux en lien avec la danse et le ballet.

Cette thèse, titrée « Espaces chorégraphiques et dispositifs participatifs : vers un renouveau du dialogue entre publics et artistes », s’inscrit dans le cadre du doctorat Pratique et théorie de la création artistique et littéraire, porté par l’École Doctorale 354 – Langues lettres et Arts au sein de la Maison de la Recherche d’Aix-en- Provence – AMU, sous la direction académique de Christine Esclapez, professeure en Sciences du Langage Musical, et la direction artistique d'Annie Abrahams, net artiste spécialiste de la performance en ligne, au sein du laboratoire CNRS – PRISM [perception représentation, image, son, musique]. Une recherche-création associée au projet de recherche scientifique pluridisciplinaire : «HUman at home projetcT» http://hut.edu.umontpellier.fr L'appartement HUT devenant à la fois médium et lieu propice à développer imaginaire et créativité, il s'agit de concevoir le prototype d'un outil de médiation expérientielle dédiée à l’art chorégraphique, ouvrant l'accès aux processus de création et de composition des œuvres chorégraphiques contemporaines (nationales et internationales), et offrant la possibilité à tout un chacun, même néophyte, de s'essayer à composer du mouvement dansé et créer de courtes danses. Cet outil novateur prend la forme d’une application web interactive et participative : « Compose & Danse ».

Originaire de Los Angeles, Madeleine Planeix-Crocker est, depuis 2018, curatrice des "Warm Up Sessions", cycle de rencontres autour des pratiques de training en danse et en performance. Parmi les invité•e•s des Warm Up, l’on compte (LA)HORDE, Marion Barbeau et Simon Le Borgne (Opéra de Paris), Maguy Marin, enfin Bolewa Sabourin. Après avoir été responsable de la communication par intérim de Lafayette Anticipations, Madeleine a réalisé son M2 recherche-création à l'EHESS Paris, sur la performance féministe et les « safe spaces » (espaces de protection), en partenariat avec l’association Women Safe. Elle entame son doctorat en 2019 à l'EHESS pour étudier des performances en commun contemporaines, programmées en institutions culturelles françaises. Ses intérêts se portent sur la production et la curation de performances féministes, queer et intersectionnelles. Madeleine a également contribué à des articles sur la démocratisation culturelle aux États-Unis et en Europe aux publications du Comité d’histoire du Ministère de la Culture, pour le Forum d’Avignon et pour la revue Citizens for Europe. Elle a enseigné à Sciences Po Paris, dans le cadre du cours « Cultural and Creative Industries » du master Affaires publiques. Diplômée summa cum laude de Princeton University, avec une spécialisation en politique culturelle, Madeleine a reçu un premier master en Médias, Art et Création de HEC Paris. Elle pratique la danse et le théâtre depuis l'âge de cinq ans et effectue des chorégraphies et mises en scène, intégrant ainsi la création artistique dans sa démarche de curatrice et de chercheuse.

Actuellement doctorante à l'HIRIM à l'Université Clermont-Auvergne, Patricia Ravel prépare une thèse intitulée "Les représentations du corps, de l’objet et du vêtement dans Hamlet et Gertrude, le Cri : De Shakespeare à Barker »,sous la direction de Mme Sophie Chiari, professeur de littérature anglaise à l’UCA. Ses thèmes de recherche sont: Les représentations du corps, du vêtement et de l’accessoire. Les représentations de la danse, la peinture et le dessin en relation avec l’espace scénique dans l’œuvre de Barker,La littérature de la Renaissance. Elle a écrit un article intitulé " ‘C’est égal, je trouve bien extraordinaire d’avoir tant de mémoire avec les jambes !’ : Le corps comme garant unique d’un art éphémère ?" dans Samuel Cuisinier-Delorme, éd., Écrire la danse dans l’Europe de la Renaissance aux Lumières, Coll. Dialogue des Modernités, Clermont-Ferrand : Presses Universitaires Blaise Pascal. (à paraître en 2020). Elle participera en 2020 au colloque « Strange Habits’ : Clothes, climes, and the environment in Shakespeare and his contemporaries », organisé par Sophie Chiari (Université Clermont Auvergne) et de Anne-Marie Miller-Blaise (Institut Universitaire de France, Université Paris-3 Sorbonne Nouvelle), Clermont-Ferrand/Moulins, 14-16 mai 2020. Titre de la communication : « ‘Good Hamlet, cast thy nighted colour off, / And let thine eye look like a friend on Denmark’ : Meteorological Climate, Political Atmosphere, and Clothing in Shakespeare’s Hamlet. » Enfin elle organise pour 2021 un colloque sur l’hybridation théâtre et danse sur la scène anglophone (XIXe-XXIe siècles) Elle est par ailleurs assistante d'enseignement artistique en danse classique au CRR de clermont-Ferrand, où elle enseigne aussi l'histoire de la danse. Elle fut responsable du groupe de coordination pédagogique des pôles de danse classique et claquette en 2014. Plus tôt dans sa carrière, elle fut danseuse pour le ballet de Londres à l'occasion du Ballet "songe d'une nuit d'été". Elle fut aussi danseuse soliste dans le ballet suite en Blanc de Serge Lifar. Elle sera jury de concours et participera avec ses élèves, à des manifestations telles que le "Happy from Clermont-Ferrand", les Parfums Repetto. Elle emmène ses élèves en concours pendant plusieurs années où elle sera récompensée aussi bien au niveau régional que national.

Après des études de Lettres à l’Université Paris X Nanterre elle est formée en Danse par D.Buttaud et M.Zighera à Lyon, Carolyn Carlson à Paris et, en 1979, par Alwin Nikolais au CNDC d’Angers et aux Universités de Salt Lake City et Seattle (USA). Elle est ensuite interprète au CCN de Caen-Quentin Rouillier, puis co-fonde le Groupe LOLITA, collectif interdisciplinaire danse musique art plastique. Elle poursuit sa formation auprès du groupe japonais Sankaï Juku et pratique l’enseignement de la danse en France et à l’étranger. En 1992 elle crée la Compagnie CAMARGO, y effectue de nombreuses créations, résidences, tournées nationales et internationales. Puis elle invente l'Association Chorégraphique, un dispositif d'échanges et de connaissances au sein de la Compagnie Camargo dont une des déclinaisons sera la création du Festival « Danses Ouvertes », dédié aux nouvelles formes de la représentation en danses, participatives, immersives, interactives. Elle mène une recherche reconnue et innovante autour de la pédagogie, du développement de la culture chorégraphique. Elle est fréquemment sollicitée pour s'exprimer sur ces sujets lors de rencontres professionnelles, d'émissions radiophoniques, d'émissions télévisuelles. Elle est Lauréate du Prix Villa Médicis Hors les Murs 1994 pour la Corée du Sud et où elle y étudie le P’ansori, opéra traditionnel coréen et lauréate de la Fondation Beaumarchais pour sa recherche chorégraphique autour de l'œuvre d'Alfred Jarry. En 2002 elle co-fonde Le Prisme Nikolais avec un groupe d’élèves français du chorégraphe et théoricien américain afin de réfléchir à la continuité de cet enseignement et offrir une visibilité à ce courant de la danse. C’est à partir des réflexions menées dans ce groupe qu’elle décide d'entamer une recherche sur le concept de DÉCENTREMENT : en redéfinissant la danse comme un art du mouvement après la seconde guerre mondiale, Alwin Nikolais la projetait dans une modernité radicale. La technique du Décentrement qui fut l’un des véhicules de cette modernité délivra sa danse des styles, l’adapta à la société démocratique, l’arracha à l’interprétation freudienne du monde tout en la reliant à un fond archaïque universel que Nikolais qualifiait de mystique. Ces recherches ont pris la forme d’un tryptique (livret et film) et on été soutenues par le département à la recherche et au patrimoine du Centre national de la danse et la Nikolais/Louis foundation. Elles ont fait l’objet d’une exposition au CND en 2017 :En 2013 : « Le Décentrement Nikolaïen, définitions, transmissions, évolutions ». En 2015 : « Le Décentrement à l’œuvre dans la création collective des années 70/80 en France ». En 2019 : « Décentrements et Mouvement Participatif en danse ».

http://lattes.cnpq.br/7819331617274706

Doctorante à l'Université de Strasbourg au sein de l'unité de recherche 1341 "Mondes germaniques et nord-européens", je travaille sur la danseuse et comédienne allemande Valeska Gert dont le travail est à la fois fondamental dans l'héritage de la danse moderne et original. Je suis également membre actif de l'association franco-allemande des jeunes chercheur.se.s GIRAF-IFFD et du comité de rédaction de la revue Recherches germaniques (Presses Universitaires de Strasbourg).

Danseuse et pédagogue pendant près de vingt ans, Lise Saladain est actuellement secrétaire générale du Cuvier – Centre de Développement Chorégraphique d’Aquitaine. Par ailleurs doctorante en Sciences de l’Éducation à l’Université de Bordeaux dans le Laboratoire Cultures et Diffusion des Savoirs (CeDS), elle observe, eu égard à son engagement pour les questions éducatives et pédagogiques en danse, de quelle manière les connaissances se fabriquent et les savoirs se transmettent et se transforment dans divers situations structurant le champ. Après avoir, en master 1, examiné le processus de construction de l’œuvre en danse contemporaine, puis en master 2 recherche, étudié la pratique de spectateur en danse contemporaine, sa thèse porte sur une approche critique du « corps disponible » dans le champ chorégraphique : une contribution à l’étude des modes de structuration et recomposition du monde de la danse par l’entrée de la diffusion des avoirs, sous la direction de Marie-Pierre Chopin. La soutenance de cette thèse est prévue en décembre 2016. Bibliographie : Saladain L. (2016). – "Penser, vivre et faire le corps de la danse", in. Repères, cahier de danse, n°37, La Briqueterie – Centre de Développement Chorégraphique du Val-de-Marne Saladain, L. (2016, à paraître). – "Transmission du mouvement dansé en contexte professionnel et transformations des dispositions corporelles : approche critique de la notion de "corps disponible" dans le champ chorégraphique", 2e Congrès de l'Association française d'ethnologie et d'anthropologie, 1er juillet, Université Toulouse Jean-Jaurès. Chopin M.-P. & Saladain L. (2013). – "Diffusion de l’art chorégraphique et pratiques de spectateurs : contribution à une étude des "publics de la danse" en sciences de l’éducation", Communication pour le congrès international AREF 2013 (Actualité de la Rechercher sur l’Enseignement et la Formation). Montpellier, 27-31 août 2013.

Sa recherche théorico-pratique porte sur une étude esthétique des mutations de gestes et constructions de discours opérant au sein du panorama flamenco actuel. Le terrain du flamenco, ainsi que les concepts de tradition et d’innovation sont abordés à partir d’une réflexion sur l’usage épistémologique que l’on pourrait extraire de l’outil du palimpseste. L’enjeu d’une étude de l’esthétique des mémoires pour redéfinir les relations de gestes, discours qui tissent la toile de l’expression flamenco aujourd’hui l’invite à questionner dans sa recherche les notions de survivance, corps-archive, corps-palimpseste. La dimension du genre dans le flamenco à travers une étude des paradoxes de la construction moderne des corporéités flamenco est également abordée via une analyse des propositions artistiques du chorégraphe Juan Carlos Lérida. Son étude repose sur une enquête de terrain en Espagne (résidence de 2009-2012 à Séville, et de 2013-2015 à Madrid), ainsi que sur sa propre pratique de la danse flamenco. Conjointement à sa recherche, elle est directrice artistique de la compagnie flamenco contemporain Orkan, à partir de laquelle elle impulse des recherches-créations qui sont liées à ses objets de recherche. Ses collaborations en tant que danseuse, chorégraphe auprès de diverses compagnies («Carmen» pour la production Opéra Passion, «L’enfant et les sortilèges» au sein de la cie Jeune Opéra de France, Cie Yunna Long (en Chine), etc.), ainsi que ses enseignements universitaires, ou ateliers de flamenco dans diverses structures, tendent à investir le geste dansé, théâtral et musical flamenco à partir de l’articulation entre théorie et pratique.

Katja Šimunić, ancienne élève de l’École de danse contemporaine Ana Maletić à Zagreb (Croatie), diplômée en dramaturgie de l’Académie des Arts dramatiques de Zagreb et titulaire du diplôme de master recherche en danse de l’Université Paris 8, elle aborde la danse depuis sa double posture de praticienne (danseuse, chorégraphe, réalisatrice radiophonique) et de chercheuse indépendante. Privilégiant une approche transdisciplinaire, elle analyse la danse en relation aux autres arts (littérature, arts plastiques et performance, en particulier). Interventions: Forum APEF 2017 : Corps, rythmes et voix, dans la littérature et dans d’autres pratiques de langage, Université d'Aveiro (Portugal), 2017; Colloque international : Le théâtre et les cinq sens/Théories, esthétiques, dramaturgies, Cité Internationale Universitaire de Paris, 13-14 juin 2016; Journée d’étude La performance narrative, Université Paris 3-Sorbonne nouvelle, le18 juin 2014; 3ème Colloque International d'Études d'Intermédialité à l'Instituto Superior da Maia (ISMAI) Porto (Portugal), les 6 et 7 juin 2013 ; Colloque international du Département d'Etudes romanes de l'Université de Sofia « Saint Clément d'Ohrid » : L'éloquence des gestes, Sofia (Bulgarie), les 5 et 6 novembre 2011 ; Colloque de la Société croate de philosophie (Hrvatsko filozofsko drustvo) : La philosophie et l’art, Zagreb (Croatie), 1-3 décembre 2011 ; Colloque international de University McGill et Concordia : Musique et danse : dialogue en mouvement, Montréal (Canada), 16-19 février 2011, etc. Bibliographie sélective : "Literary Dance" in Maska/Performing Arts Journal, double issue 183-184, Ed. Maska, Institut for Publishing, Production and Education, Ljubljana, 2017; " Sensiblement dansé vertigo: Variations sur le sensible chorégraphiées par Marjana Krajač“ in Itinera, Rivista di filosofia e di teoria delle arti, Université de Milan, n. 13, 2017; „Narration en mouvement : I AM 1984 de Barbara Matijevic et Giuseppe Chico“ in Danse contemporaine et littérature, entre fiction et performances écrites sous la direction de Magali Nachtergael et Lucille Toth, CND, Pantin, 2015; „After Trio A : la mobilisation du regard public“, Funambule, Revue de danse, no 11, Anacrouse, Saint-Denis, 2012.

Maître de conférences en danse (EA 3402 - ACCRA, Université de Strasbourg) et chercheur associé au Laboratoire d’analyse des discours et des pratiques en danse (EA 1572 - MUSIDANSE, Université Paris 8). Ses recherches portent sur le métier de chorégraphe (droit d’auteur, politique culturelle et réglementation de l’enseignement) et s’intéressent plus largement à l’archive, la mémoire et l’histoire en danse. Il a cofondé, avec Sylviane Pagès et Mélanie Papin, le Groupe de recherche « Histoire contemporaine du champ chorégraphique » (MUSIDANSE), avec lequel il a engagé les projets « Relire les années 1970 (en danse, en France) » (de 2012 à 2014) et « Karin Waehner, une artiste migrante » (projet soutenu par le Labex Arts H2h de 2015 à 2017), en collaboration avec la BnF (département des Arts du Spectacle), le Centre national de la danse et l’Akademie der Künste (Berlin).

Docteur en littérature française de l'université de Pau, sa thèse, soutenue en octobre 2015, s'intitule "Littérature et danse contemporaine : enjeux et modalités d'un dialogue renoué". Ses recherches s'intéressent à ces chorégraphes contemporains français qui se tournent de nouveau vers la littérature pour élaborer certaines de leurs créations chorégraphiques. L'objectif est alors de saisir les raisons de ce choix et d'observer comment la matière littéraire, aussi diverse soit-elle, est travaillée en portant l'attention aux processus de création, aux textes mais aussi à la réception des pièces chorégraphiques. De ce fait, elle traite également de la question de la collaboration entre un écrivain et un chorégraphe. Dominique Bagouet, Mathilde Monnier, Maguy Marin, Josef Nadj, Angelin Preljocaj, Jean-Claude Gallotta sont les principaux chorégraphes étudiés, mais une place conséquente est également faite à Dominique Dupuy, Marie Chouinard, Nathalie Pubellier ainsi qu'aux artistes, écrivains et chorégraphes, ayant créé dans le cadre du Festival Concordan(s)e. En avril 2017, elle a co-organisé, à la Maison de la Recherche de la Sorbonne, le colloque international "Ecrits pour le mouvement, écrits en mouvement. Formes, emplois et évolutions du livret de ballet de la Renaissance à nos jours." Parallèlement professeur de lettres dans le secondaire, elle a monté en 2011 une classe danse qui bénéficie d'un partenariat avec le Centre National de la Danse, le Festival Concordan(s)e et différents artistes (Dominique Dupuy, Alice Zeniter, Orin Camus...). Chaque projet annuel lui permet d'explorer les liens de la littérature, ou plus généralement de l'écrit, avec la danse, et ainsi d'envisager l'enseignement du français à travers l'expérience du geste et de l'espace. A l'issue de sa thèse, forte de sa pratique de la danse et des recherches personnelles qu'elle souhaitait réaliser, elle a fondé en 2016 au sein de l'association L'Air ivre le cycle danse et littérature où elle donne des conférences et mène des ateliers de pratique et des résidences de création. Ces dernières ont abouti à deux pièces : "Gestes à l'horizon des mots" (2016) et "(S') écrire" (2017).

Chorégraphe et Chercheuse en danse et interdisciplinarité www.sheynaqueiroz.com www.sheynaqueiroz.fr

Après un parcours danse-études effectué à l’école supérieure de danse Rosella Higtower à Cannes, en parallèle de ma carrière de danseuse j’ai poursuivi un parcours universitaire. En 2014, j’obtiens une Licence Humanités, option littérature à l’Université Paris Ouest Nanterre La Défense. En 2016, je finis termine mon Master Recherche Lettres-Littérature générale et comparée à l’Université Paris Sorbonne Nouvelle. Actuellement, je suis doctorante à l’Ed 267 Arts et Médias de la Sorbonne Nouvelle, mon unité de rattachement est THALIM (UMR 7172). Le titre de ma thèse est « Blanche-Neige de Preljocaj : quand les mots prennent corps. Processus de création et réception d’un ballet narratif contemporain » sous la direction d’Hélène Bouvier. En 2017, je participe à la conférence internationale « All about Cinderella : retellings in the cultural imagination », organisée par l’Université Bedfordshire ou je présente un article sur le ballet de Jean-Christophe Maillot Cendrillon. En 2019, j’interviens lors de la journée d’étude « Les Trois Petits cochons dans leurs expansions hypertextuelles », organisée par Université de Lille SHS Alithila. Ma communication s’intitule « Barbe-Neige et les Sept petits cochons au bois dormant de Laura Scozzi : trois petits cochons en robe rose et basket dansant du hip-hop et flirtant avec le loup. »

Aude Thuries est membre associée du CEAC (Université Lille 3). Après avoir été danseuse et professeure de mathématiques, elle a soutenu en 2014 à l’Université Lille 3 une thèse intitulée L’apparition de la danse : construction et émergence du sens dans le mouvement. Ses recherches portent sur la création de sens dans la danse et dans différents arts du mouvement, en lien avec les philosophies du symbolique. Elle a contribué aux premières traductions en langue française des écrits de Susanne Langer, dans le cadre de l’ouvrage Vie, symbole, mouvement. Susanne K. Langer et la danse, dirigé par Anne Boissière et Mathieu Duplay, chez De l’incidence. Elle est également auteure de scénarios, et rédactrice en chef de la revue pluridisciplinaire sur la danse The Dancing Plague.

En parallèle d'un parcours en littérature comparée, Annaëlle Toussaere découvre la recherche en danse en licence à l'université Paris 8, avant d'y consacrer un mémoire intitulé "Lecture kinésique comparée d'Henri Michaux et Valeska Gert, performeurs de la modernité" sous la direction de Marie-Françoise Hamard à l'Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle et à la Freie Universität de Berlin. Elle poursuit ses recherches en anthropologie et lecture du geste au sein du Master de Danse de Paris 8. Elle a notamment participé à la table ronde “Style et kinésie: comment percevoir la 'dansité'des textes” aux Journées d'étude “Des gestes aux mots: Corps, intertextualités & méthodologies croisées”, organisées par Céline Gauthier, Marie Philipart, Alice Godfroy (CTEL) et Mélanie Mesager (EDESTA) à l'Université Côte d'Azur Sophia Antipolis de Nice en avril 2019. L'année suivante, elle propose une intervention consacrée à son mémoire sous la direction de Christine Roquet et Mahalia Lassibille, intitulée “La catégorie anthropologique d''acrodanse': étude de cas du collectif Femmes de Crobatie” à la Journée d'étude “Jeunes chercheur-se-s” au Centre National des Arts du Cirque, organisée par le Collectif des Chercheur-se-s en Cirque, Le CCCirque et la chaire IciMa, avec le soutien des laboratoires PSMS, CEREP, CETAPS et de la MSH (URCA), au Centre national des arts du cirque (Châlons-en-Champagne) en mars 2020.

Katharina Van Dyk est doctorante contractuelle au département de philosophie de l’université Paris 8 et rattachée au LLCP (EA 4008). Elle est titulaire d’un Master et d’un Magistère en philosophie contemporaine (Paris 1 - ENS Ulm) et d’un Master en danse (Paris 8). Actuellement, elle fait une thèse sous la direction de Stéphane Douailler, en codirection avec Isabelle Launay, sur la notion d’extase en danse, dans l’Antiquité et dans la modernité chorégraphique. Son enseignement est mutualisé avec le département de danse de Paris 8 et elle fait également des interventions ailleurs (formation AFCMD du CESMD Poitou-Charentes). Dernière parution : « Les danses (in)actuelles de Nietzsche », in Cahiers critiques de la philosophie, Paris, Hermann, n° 12, 2013. Pour plus d’informations sur ses activités de recherche, de publication et d’enseignement : http://www.danse.univ paris8.fr/chercheur.php?cc_id=6&ch_id=282

Docteure en Information et Communication (Université libre de Bruxelles, 2010, direction : A. Helbo), elle mène ses recherches au sein de ReSIC. Privilégiant une approche sémiopragmatique, elle questionne les rapports entre la danse et la réception et étudie l’influence des nouvelles technologies et des nouvelles formes artistiques sur les modélisations classiques et logocentrées. Elle été co-coordinatrice du Master Erasmus Mundus en étude du spectacle vivant (2006-2014) et coordonne aujourd’hui le campus ULB – Charleroi-Ville Haute. A publié chez Peter Lang : Danse et spectacle vivant. Réflexion critique sur la construction des savoirs. Coéditrice, avec André Helbo et Catherine Bouko, de Interdiscipline et arts du spectacle vivant (2013) et de Performances et Savoirs (2011).

A conçu quelques expositions, parmi lesquelles "Les Sakharoffs" (1990) et "Five Hundred Years of Italian Dance" (New York Public Library, 2006). A écrit plusieurs volumes à partir de "Milloss. Un maestro della coreografia tra espressionismo e classicità" (1996), jusqu'à "Loie Fuller" (2001). A co-écrit entre autres des livres sur le ballet romantique et Marie Taglioni. A codirigé plusieurs monographies, entre autres sur les AID (2006), Isadora Duncan (2007, 2017), les Ballets Russes (2011 et 2013), danse et musique (2018). Est active dans le comité éditorial de plusieurs revues internationales.